HENRI MATISSE|10 MIN. LESEZEIT

Die Werke von Henri Matisse im Überblick

Diese Bilder kennen Sie wahrscheinlich schon, doch jedes veränderte sich während seiner Entstehung. Als 1935 ein neues Modell ins Atelier in Nizza kam, ließ Matisse das Gemälde der schlafenden Frau in jedem Stadium fotografieren, sodass sich seine Entscheidungen bis heute nachvollziehen lassen.

TEXT Moryarty

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„Lebensfreude“ von Matisse
Henri Matisse, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Henri Matisse wird meist anhand seiner Schaffensphasen vorgestellt: die Jahre des Fauvismus, die dekorativen Interieurs, die Scherenschnitte des letzten Jahrzehnts. Seine Arbeit selbst hielt sich nie an diese Einteilung. Eine Pose, ein Ärmel und ein Bogen blaues Papier tauchen in seinen Gemälden, Druckgrafiken und Scherenschnitten immer wieder auf. In den sechs hier vorgestellten Werken von Henri Matisse zeigen sich diese wiederkehrenden Motive von 1935 bis 1952. Jede der sechs Geschichten erzählt, wer Modell saß, wie das Werk überarbeitet oder gedruckt wurde und welches Museum oder welche Sammlung es heute besitzt.

Die Geschichte beginnt 1935 mit einem neuen Modell im Atelier in Nizza und reicht bis zu den vier „Blauen Akten“, die Matisse 1952 ausschnitt. Fotografien machen die Geschichte nachvollziehbar: Ab 1935 ließ Matisse seine Leinwände in jedem Arbeitsstadium aufnehmen, um den Fortgang der Arbeit zu prüfen. Diese Aufnahmen sind für „Le Rêve“ und für „La Blouse roumaine“ erhalten, ein Gemälde, das fünf Jahre nach „Le Rêve“ entstand. Als Drucke erreichten die Werke dann ein größeres Publikum: Edmond Vairel druckte die Tafeln für „Jazz“ mit denselben Linel-Gouachefarben, die schon für die Entwürfe verwendet worden waren, und Mourlot druckte das Nizza-Poster in Paris. Heute bewahren Museen diese Werke: Das Centre Pompidou besitzt die beiden Gemälde, den Entwurf für „Le cirque“ und zwei der „Blauen Akte“. Im Museum of Modern Art in New York befindet sich die Nizza-Lithografie.

„Le Rêve“ und das neue Modell, das Matisses Arbeit veränderte

Am 1. April 1935 begann Matisse in Nizza mit „Le rêve“ (1935), am 14. Mai schloss er das Gemälde ab. Diese sechs Wochen stehen am Beginn einer größeren Entwicklung: 1935 begann Lidija Nikolajewna Delektorskaja, jeden Tag für ihn Modell zu sitzen. Sie ist die schlafende Frau in diesem Bild, in einer Haltung, die sie immer wieder einnehmen sollte. Am Ende ihrer Jahre bei Matisse hatte sie für mehr als hundert Zeichnungen und Skizzen sowie etwa neunzig Gemälde Modell gesessen. Die entspannt ruhende Figur gehört zu den frühen Arbeiten dieser langen Zusammenarbeit.

„Le rêve“

Der Sammlungseintrag des Centre Pompidou hält fest, dass die Begegnung mit diesem Modell Matisse eine neue Sicht eröffnete. Schon seine allererste Zeichnung von ihr zeigt die entspannte Haltung. Die Ruhe, die das Museum im Gesicht erkennt, durchzieht die ganze Leinwand.

Sechs fotografisch festgehaltene Fassungen des Gemäldes sind erhalten. Sie dokumentieren die weitreichende Überarbeitung. Von Fassung zu Fassung nahm die Figur mehr Raum im Bild ein, bis sie über den Rand der Leinwand hinausreichte.

Parallel dazu entstand „Le Nu rose“. Das Centre Pompidou bezeichnet diese Leinwand als das wichtigste Gemälde des Jahres; heute befindet sie sich im Baltimore Museum of Art. Das Museum versteht „Le rêve“ als einen Schritt hin zu diesem größeren Bild. Beide zeigen den karierten Stoff des Diwans und verbinden Blau mit Rosa. In der Beschreibung des Museums erscheint der rosafarbene Körper in der endgültigen Fassung als Form vor dem blauen Grund. Auch die blauen Elemente des Hintergrunds treten als eigenständige Formen hervor.

Der weitere Weg des Bildes lässt sich anhand von Dokumenten verfolgen. 1947 reiste es von der Pierre Matisse Gallery in New York zu einer Ausstellung im Papstpalast in Avignon. Einundzwanzig Jahre später hing es bei der Matisse-Retrospektive 1968 in der Hayward Gallery in London unter dem Titel „Der Traum“. Damals gehörte es zur Sammlung des Ehepaars Pierre Matisse.

1979 kaufte das Musée national d’Art moderne in Paris das Gemälde. Seitdem gehört es zur Sammlung des Centre Pompidou. 1940 entstand ein zweites, anderes Gemälde mit dem Titel „Le Rêve“. Die Jahreszahl 1935 macht deshalb klar, welches der beiden gemeint ist.

Wie aus einer bestickten rumänischen Bluse „La Blouse roumaine“ wurde

Der Sammlungseintrag des Centre Pompidou berichtet, dass Matisse handgefertigte Textilien sammelte und ihn die grafische Schönheit ihrer Muster beeindruckte. Das Interesse zeigt sich in Federzeichnungen, die 1936 in Cahiers d'art erschienen: Auf ihnen trägt das Modell bereits eine Bluse mit weiten, bestickten Ärmeln. Ein von Sarah Aaronson wiedergegebener Museumstext hält fest, dass Matisse die Blusen für diese Werkgruppe von seinem Freund Pallady erhalten hatte. Im Paris der 1920er-Jahre waren rumänische Bauernblusen in Mode, auch weil Marie von Edinburgh, die Königin von Rumänien, sie trug.

„Die rumänische Bluse“

„Die rumänische Bluse“ (1940) malte er zwischen Dezember 1939 und April 1940 im Hôtel Régina in Nizza. Das ursprüngliche Modell war Lidija Nikolajewna Delektorskaja. Im Lauf der Jahre brachte man jedoch auch andere Frauen als Inspirationsquelle ins Gespräch, darunter Elvira Popescu, Hélène Vacaresco, Anna de Noailles und Marthe Bibesco. Anfangs zeigte das Gemälde einen geblümten Hintergrund. Das Modell hatte braune Locken und Haarrollen nach der damaligen Mode und trug, in den Worten von Matisse, ‚eine schöne alte rumänische Bluse mit Kreuzstichstickerei in Altrot‘.

Schon seit 1935 ließ Matisse seine Gemälde in jedem Arbeitsstadium fotografieren. Bei dieser Leinwand ist das Vorgehen am vollständigsten dokumentiert: Während der Arbeit hielt die Kamera jeden Zustand fest. Schritt für Schritt verschwanden die dekorativen Details, die Muster vereinfachten sich und die Farben ordneten sich zu flächigen Partien. Schließlich ersetzte ein schlichtes Oval die Gesichtszüge des Modells. Die Bluse blieb jedoch. Das Centre Pompidou nennt die Stickerei das eigentliche Motiv des Malers. Darin liegt das Paradox des Bildes: Anfangs war die Frau sein Gegenstand, am Ende die Bluse.

Bei der Ausstellung des Gemäldes hingen die Fotografien daneben. Im Dezember 1945 eröffnete die neue Galerie Maeght in Paris mit einer Ausstellung von sechs Gemälden von Matisse. Es war ihre erste Ausstellung in der Stadt. Neben dieser Leinwand hingen die datierten Fotografien ihrer dreizehn Entstehungsstadien, gerahmt wie eigenständige Gemälde.

François Campaux machte aus den Fotografien anschließend einen Film, der sie nacheinander zeigt. So lässt sich die Entstehung des Gemäldes Schritt für Schritt verfolgen.

In Matisses Wohnung am Boulevard Montparnasse hing die Leinwand als Pendant zu dem Gemälde von 1940, das ebenfalls „Le Rêve“ heißt. Die beiden Bilder flankierten ein älteres Werk. „La Blouse roumaine“ kam in zwei Schritten in die staatlichen Sammlungen. Zunächst ersetzte das Bild als vorübergehende Leihgabe ein anderes Gemälde, das gerade ausgeliehen war. Dann erklärte der Künstler das Bild am 21. Oktober 1949 zu seinem Geschenk an den Staat. Der Staat verzeichnete die Zuweisung 1953. Seitdem gehört „La Blouse roumaine“ zum Centre Pompidou, Musée national d’Art moderne.

Das Gemälde hat eine zweite Karriere in der Mode erlebt. Yves Saint Laurent nannte eine Kollektion von 1981 „La Blouse roumaine“. Auch Jean Paul Gaultier und Tom Ford haben Kollektionen auf seinem Motiv aufgebaut. Da das Centre Pompidou wegen Renovierungsarbeiten geschlossen ist, reist die Leinwand für die Ausstellung „Chez Matisse“ zum H’ART Museum in Amsterdam. Es ist erst das zweite Mal, dass das Pompidou sie verleiht.

„Der Zirkus“ und die Pläne von Tériade für „Jazz“

Tériade, der aus Griechenland stammende Verleger mit dem bürgerlichen Namen Efstratios Eleftheriadis, hatte Matisse spätestens im Sommer 1941 ein farbiges Buch vorgeschlagen. Er beschrieb die Idee als eine moderne illuminierte Handschrift mit Gemälden. Das Buch, das später „Jazz“ heißen sollte, hatte zunächst einen anderen Titel. Das heute als „Der Zirkus“ (1947) bekannte Bild gehört zu seinen Tafeln.

„Der Zirkus“

Inzwischen hatten sich die Lebensumstände von Matisse tiefgreifend verändert. Nach einer Krebsdiagnose 1941 und der anschließenden Operation war er an Bett und Stuhl gebunden. Als die Arbeit am Buch begann, war er 74 Jahre alt. Er konnte nicht mehr wie früher malen oder als Bildhauer arbeiten und teilte die Arbeit deshalb mit seinen Hilfskräften: Sie bemalten Papierbögen mit Gouache, Matisse schnitt sie aus. Die Schere löste den Pinsel ab, und das Papier konnte er im Sitzen bearbeiten.

Der Entwurf der Zirkusseite ist auf Juli 1946 datiert. Wie alle Bilder für „Jazz“ besteht er aus ausgeschnittenem, mit Gouache bemaltem Papier, aufgeklebt auf einen Papierbogen, der auf Leinwand aufgezogen ist. Möglicherweise war er für den Buchumschlag vorgesehen. Die Quellen behandeln das jedoch als Möglichkeit, nicht als gesicherte Tatsache. Fest steht sein endgültiger Platz: Tafel II, das erste ganzseitige Bild, das Sie in „Jazz“ sehen.

So viele der frühen Bilder zeigten Zirkusartisten, dass das Buch zunächst als „Le Cirque“ geplant war. Dann kamen Motive hinzu, die nichts mit dem Zirkus zu tun hatten, und der Titel änderte sich zu „Jazz“. Die Bilder seien aus dem entstanden, was Matisse als kristallisierte Erinnerungen an Zirkusse, Volksmärchen und Reisen bezeichnete. Die Zirkusseite zeigt, weshalb der erste Titel sinnvoll war: eine breite blaue Fläche, ein schwarzer Akrobat in einem schräg liegenden weißen Feld, ein gelber Streifen mit verstreuten roten und schwarzen Buchstaben und orangefarbene Buchstaben, die durch das Blau fallen.

Die gedruckten Tafeln mussten den Farben seiner Scherenschnitte treu bleiben. Das war seine einzige Bedingung. Tériade wählte das Pochoir-Verfahren, einen Schablonendruck, bei dem sich die Linel-Gouachefarben verwenden ließen, mit denen die Entwürfe bereits bemalt waren. Der Kolorist Edmond Vairel übernahm diesen Druck. Draeger Frères druckte die handschriftlichen Textseiten von Matisse.

„Jazz“ erschien am 30. September 1947 in zwei Ausgaben: 250 Bücher mit den Tafeln zwischen den handschriftlichen Textseiten des Künstlers sowie 100 Mappen, die nur die Drucke enthielten. Das Art Institute of Chicago kaufte sein Exemplar der Zirkustafel im Mai 1948 beim Händler Pierre Berès, der es vom Künstler und vom Verleger erhalten hatte. Der Originalentwurf, also das Werk, das Matisse tatsächlich selbst ausgeschnitten hatte, kam 1985 als Teil der Entwürfe für „Jazz“ ins Centre Pompidou. Dies geschah durch eine Dation: Der Staat akzeptierte das Werk statt einer Steuerzahlung.

„Nice, Travail et Joie“ vom Stillleben zum Reiseposter

Nach Angaben von Galerie 123, die mit Vintage-Postern handelt, bat das Fremdenverkehrsamt von Nizza Matisse, ein Poster für die Stadt zu gestalten. Die Library of Congress gibt als Herausgeber des Posters von 1947 das Syndicat d'Initiative de Nice und die Union Méditerranéenne pour l'art moderne an.

„Nizza, Arbeit und Freude“

Für das Motiv schuf er kein neues Gemälde. Laut Galerie 123 greift „Nizza, Arbeit und Freude“ auf sein Gemälde „Nature morte aux grenades, Vence“ von 1947 zurück. Das Poster ergänzt das gemalte Bild um seine handschriftlichen Worte „Nice, Travail & Joie“. Die Palmen, die Früchte und der Teller bilden zunächst ein Stillleben; erst der Schriftzug macht daraus eine Einladung.

Das lithografische Poster druckte die Werkstatt Mourlot in Paris.

Ein Exemplar dieser Auflage gelangte in eine Sammlung, in der man es vielleicht nicht vermuten würde: Die Lithografie befindet sich in der Abteilung für Architektur und Design des Museum of Modern Art in New York, als Geschenk von G. E. Kidder Smith.

Wie Matisse „Nu bleu II“ schuf

„Nu bleu II“ gehört zu den vier „Blauen Akten“ von 1952. Matisse schuf sie in Nizza, im geräumigen Atelier des Hôtel Régina, und arbeitete rasch: „Nu bleu I“, „Nu bleu II“ und „Nu bleu III“ folgten unmittelbar aufeinander, jedes Werk entstand innerhalb weniger Stunden. Die Nummerierung entspricht nicht der Reihenfolge ihrer Entstehung.

„Nu Bleu II“

Die Nummer verrät auch nicht, wie viele Zeichnungen dem Schneiden vorausgingen. Vor der Serie lag eine Phase der Frustration. Matisse legte die Schere beiseite, zeichnete immer wieder einen sitzenden weiblichen Akt und kehrte erst dann zum Schneiden zurück. Die Haltung selbst kannte er seit Jahrzehnten. In Gemälden und Skulpturen hatte er sie schon erprobt: in „Nu assis, Olga“ (1910) und in der zweiten Fassung von „Vénus à la coquille“ (1932).

Lidija Nikolajewna Delektorskaja, die während der Arbeit an der Serie an seiner Seite war, erinnerte sich, dass er jeden der „Blauen Akte“ an einem anderen Tag in einem Zug mit der Schere ausgeschnitten habe, in höchstens zehn oder fünfzehn Minuten. Das Centre Pompidou hält fest, dass „Nu bleu I“, „Nu bleu II“ und „Nu bleu III“ jeweils innerhalb weniger Stunden entstanden.

Die Zwischenräume markieren die Gelenke des Körpers und geben dem flachen Papier eine räumliche Wirkung, etwa dort, wo sich ein angewinkeltes Bein vor den Oberschenkel des anderen schiebt. Da die Figur aus einem einzigen Bogen geschnitten ist, können Sie sich vorstellen, wie sich diese Lücken wieder schließen. Die ineinandergreifenden blauen Formen liegen auf einem warmen beigen Grund, ihre Kanten sind scharf umrissen.

„Nu bleu II“ kam 1984 ins Centre Pompidou und befindet sich heute im Musée national d’Art moderne in Paris. 2014 gehörte das Werk zur Überblicksausstellung „Henri Matisse: The Cut-Outs“, die MoMA und Tate Modern gemeinsam präsentierten.

Warum „Nu bleu III“ als vollendetes Kunstwerk gilt

„Nu bleu III“ entstand 1952 wie seine beiden Nachbarn in der Folge innerhalb weniger Stunden. Das Blatt trägt die Signatur und Datierung H MATISSE 52.

„Nu Bleu III“

Das Centre Pompidou, dem das Werk gehört, betont: In den „Blauen Akten“ bleibt die Technik des Scherenschnitts als eigenständige Kunstform vollständig sichtbar. Die Kanten tragen die Spuren der Schere, zwischen den einzelnen Formen bleiben Zwischenräume offen und die tiefblaue Silhouette erscheint zugleich als Körper und als Stück ausgeschnittenes Papier.

Das Museum kaufte „Nu bleu III“ 1982. Seitdem gehört das Original zur Sammlung des Musée national d’Art moderne in Paris.

Alle vier „Blauen Akte“ kamen im Grand Palais für „Matisse, 1941–1954“ wieder zusammen. Die Ausstellung begann am 15. Juni 2018.

Für einen ruhigen Raum zu Hause, etwa das Schlafzimmer, würden wir „Le Rêve“ mit seiner schlafenden Figur wählen. Falls Sie eines dieser sechs Werke bei sich zu Hause aufhängen möchten, vereint unsere Kollektion mit Werken von Henri Matisse die Scherenschnitte, die Bluse und die schlafende Figur an einem Ort.

Schon gewusst?

  • 1952 schuf Matisse den 16 Meter langen Fries „La Piscine“ zu seinem eigenen Vergnügen.
  • Im Sommer 1952 gingen Matisse und Lidija Nikolajewna Delektorskaja in ein öffentliches Schwimmbad in Cannes, nur um den Wasserspringern zuzusehen.
  • Der Bildhauer Constantin Brancusi war dafür bekannt, bei Partys in Montparnasse als rumänischer Bauer gekleidet aufzutauchen.
  • Im Hôtel Régina verlief an den mit Jute bespannten Wänden seines Esszimmers ein breiter Streifen weißes Papier, knapp über seiner Kopfhöhe.
  • „La Blouse roumaine“ erscheint in den Unterlagen auch unter anderen Titeln, darunter „Jeune fille: la blouse roumaine“, „La blouse paysanne“ und „La Blouse paysanne roumaine, fond rouge“.
  • Matthew Gale, Leiter der Sammlungsausstellungen bei der Tate, hat darauf hingewiesen, dass die Scherenschnitte von Matisse im künstlerischen Klima ihrer Entstehungszeit als infantil galten.
  • Matisse schuf auch Lithografien mit dem Titel „Nu bleu“, die auf den Figurenstudien seiner Scherenschnitte basieren. Bei seinem Tod 1954 hatte er die Serie zur Hälfte vollendet.

Fragen zur Kunst von Matisse

In welchem Stil arbeitete Henri Matisse? Matisse gehörte zu den führenden Köpfen der Fauves, jener Gruppe Pariser Maler, die die Farbe von der Pflicht befreiten, Dinge abzubilden. Bei ihnen bestimmte die Farbe selbst das Bild. Farbe, Linie und flächige Muster begleiteten ihn bis ans Ende seines langen Lebens. Die Scherenschnitte sind die späte Ausprägung desselben Impulses: Die Gouache lieferte die Farbe, die Schere die Linie.

Wie machte Henri Matisse seine Scherenschnitte? Seine Hilfskräfte bemalten zunächst Papierbögen mit Gouache. Matisse schnitt dann mit der Schere direkt in die Farbe.

An welcher Krankheit litt Henri Matisse? 1941 diagnostizierten die Ärzte bei Matisse Magenkrebs. Es folgte eine Operation. Danach arbeitete er mit bemalten Papierbögen, die er mit der Schere ausschnitt. Diese Technik steht hinter den „Blauen Akten“.

Warum ist „La Blouse roumaine“ so berühmt? Zum Teil, weil man ihre Entstehung öffentlich zeigte. Bei der ersten Pariser Ausstellung der Galerie Maeght 1945 hingen die dreizehn fotografierten Arbeitsstadien neben der fertigen Leinwand. Der Film von François Campaux zeigte dem Publikum, wie das Gemälde immer einfacher wurde. Dann griff die Mode das Motiv auf: Yves Saint Laurent benannte 1981 eine Kollektion danach. Matisse selbst kehrte immer wieder zu dem Motiv zurück und malte zwischen 1939 und 1945 zehn Fassungen.

Wo kann ich die „Blauen Akte“ von Matisse sehen? „Nu bleu II“ und „Nu bleu III“ befinden sich beide in Paris, in der Sammlung des Musée national d’Art moderne im Centre Pompidou. Für die Ausstellung „Matisse, 1941–1954“ kamen die vier im Grand Palais wieder zusammen. Die Scherenschnitt-Ausstellung in der Tate Modern zeigte so viele „Blaue Akte“ auf einmal wie nie zuvor.

Wie werden unsere Matisse-Poster hergestellt? Jedes Kunstwerk restaurieren wir von Hand und erhalten dabei seine ursprüngliche Gestaltung und seine Farben. In unserer Werkstatt in Barcelona drucken wir es mit archivbeständigen Pigmenttinten auf mattem Fine-Art-Papier mit einer Grammatur von 230 g/m². Unsere Preise bleiben erschwinglich, weil wir glauben, dass Kunst nicht nur Menschen mit hohem Einkommen vorbehalten sein sollte. Informationen zu Bestellungen, Rahmen und Lieferung finden Sie in den FAQ.

Über den Autor

Moryarty wurde 2015 gegründet. Das Sortiment umfasst mehr als 2.000 Vintage-Poster, deren Vorlagen wir in Museen, Bibliotheken und Sammlungen gefunden haben. Jedes Kunstwerk restaurieren wir von Hand, ohne seine Farben zu verändern. Wir drucken es in unserer eigenen Werkstatt in Barcelona auf mattem Fine-Art-Papier. Bei den flächigen Farben und Schnittkanten von Matisse zahlt sich diese Sorgfalt stärker aus als bei den meisten anderen Postern. Wir schreiben über die Werke, denn ihre Geschichten machen einen großen Teil der Freude am Aufhängen aus.

Quellen
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