Die Kunst von Hilma af Klint lag den größten Teil des 20. Jahrhunderts in Kisten. Die schwedische Malerin schuf einige der ambitioniertesten abstrakten Bilder des frühen 20. Jahrhunderts und wies ihre Familie an, sie nach ihrem Tod zwanzig Jahre lang nicht öffentlich zu zeigen. Sie glaubte, ihre Zeit sei noch nicht bereit dafür. Das Projekt dahinter bezeichnete sie als das Hauptwerk ihres Lebens: „Gemälde für den Tempel“, entstanden zwischen 1906 und 1915, ein Zyklus aus 193 Gemälden und Zeichnungen für einen Tempel, der nie gebaut wurde.

Sieben dieser Werke stellen wir hier vor. Fünf gehören zu „Die zehn Größten“, jener Serie von 1907, in der sie die vier Lebensalter des Menschen in riesigen, schwebenden Formen darstellte. Zwei stammen aus dem Jahr 1915, als sie das spirituelle Projekt mit der Werkgruppe „Die Taube“ und den drei „Altarbildern“ abschloss. Zusammen zeigen sie, was sie unter Abstraktion verstand und warum sie sicher war, dass diese Kunst einer Zukunft angehörte, die sie selbst nicht mehr erleben würde.

Warum „Die zehn Größten, Nr. 2, Kindheit“ jahrzehntelang im Verborgenen blieb

„Die zehn Größten, Nr. 2, Kindheit“ entstand 1907 und eröffnet die Geschichte eines Lebens. Die Serie durchläuft die vier Lebensalter in Bildpaaren: Sie beginnt mit der Kindheit, darauf folgen Jugend und Erwachsenenalter, das hohe Alter bildet den Abschluss. Nr. 2 ist das zweite Kindheitsbild. Große, rundliche Formen schweben und verschränken sich in Blau, Rosa, Orange, Gelb und Weiß. Zwischen den Rundungen verteilen sich kleine, schriftzeichenartige Markierungen. Sie selbst gab dem Bild den Titel „De tio största, nr 2, Barnaåldern, grupp IV“.

Af Klint war damals in den Vierzigern und hatte eine fundierte künstlerische Ausbildung. In den 1880er-Jahren hatte sie an der Königlich Schwedischen Akademie der Bildenden Künste studiert. Ihren Lebensunterhalt verdiente sie in Stockholm als Landschafts- und Porträtmalerin.

Sie starb 1944. Ihr Neffe Erik af Klint erbte mehr als 1.000 Werke und etwas mehr als 125 Notizbücher.

Die Kindheitsbilder blieben auf ihren ausdrücklichen Wunsch hin ungesehen. Ihrem Neffen hatte sie aufgetragen, die abstrakten Werke nach ihrem Tod zwanzig Jahre lang nicht öffentlich zu zeigen, weil sie glaubte, ihre Zeit sei noch nicht bereit dafür.

1970 bot man dem Moderna Museet in Stockholm die gesamte Sammlung als Schenkung an, doch das Museum lehnte ab.

Das Umdenken setzte spät ein und vollzog sich langsam. Die Werke kamen in die Obhut der Hilma af Klint Foundation. 2022 zeigte das Moderna Museet in Stockholm erstmals seit 2013 wieder die vollständige Serie „Die zehn Größten“, darunter auch Nr. 2, „Kindheit“. Neben den großen Bildern hingen Aquarelle und ein vollständiger Satz handkolorierter Fotografien der zehn Gemälde. Sie zeigten, wie af Klint ihr eigenes Werk noch lange nach 1907 weiter studierte.

Wie malte Hilma af Klint „Die zehn Größten, Nr. 3, Jugend“ in vierzig Tagen?

„Die zehn Größten, Nr. 3“ ist eines der beiden Jugendbilder und hat eine ungewöhnliche Entstehungsgeschichte. Af Klint berichtete, ihre geistigen Führer hätten zehn paradiesisch schöne Gemälde verlangt, die der Welt einen Einblick in die vier Lebensphasen geben sollten. Nr. 3 erfüllt diesen Auftrag in Orange, Gelb, Blau und Schwarz: Überlappende Spiralen und blütenblattartige Formen treiben über einen leuchtend orangefarbenen Grund, ohne einen zentralen Blickpunkt. Es ist, als hätte die Jugend selbst zu viel Energie, um zur Ruhe zu kommen.

Sie begann die Serie im Herbst 1907 und vollendete alle zehn Bilder in vierzig Tagen. Cornelia Cederberg und Gusten Andersson, zwei Mitglieder ihres Kreises, halfen ihr bei der malerischen Ausführung.

Sie arbeitete daran in der Hamngatan 5 in Stockholm, in einem Atelier, das sie mit Lotten Rönnqvist und Alma Arnell teilte.

Die Serie malte sie mit Tempera auf Papier, das später auf Leinwand aufgezogen wurde. Mit Tempera hatte man auch jene Altarbilder der Renaissance gemalt, die sie einige Jahre zuvor auf einer Italienreise in Florenz bewundert hatte. Ihre Materialwahl verbindet die Serie mit diesen sakralen Gemälden. Die Serie war für einen Tempel bestimmt, der nie gebaut wurde.

Jedes Original ist etwa 3,2 Meter hoch. Af Klint wollte alle zehn gemeinsam in einer kreisförmigen Anordnung aufhängen.

Das Original befindet sich weiterhin bei der Hilma af Klint Foundation in Stockholm. Dieser vollständig abstrakte Zyklus entstand 1907, Jahre bevor die Abstraktion als Teil der modernen Kunst größere Bekanntheit erlangte. In einer Reproduktion im Posterformat bleiben der leuchtend orangefarbene Grund und die schwebenden Spiralen sichtbar.

Wie prägten die Séancen der Fünf „Die zehn Größten, Nr. 7, Erwachsenenalter“?

1896 gründete af Klint mit vier weiteren Frauen einen Kreis namens Die Fünf. Sie hielten Séancen ab, praktizierten automatisches Schreiben und Zeichnen und versuchten, mit Wesen in Kontakt zu treten, die sie Hohe Meister nannten. Jahre vor dem ersten Tempelbild lernte af Klint in dieser Gruppe, dass eine Hand über das Papier gleiten und Zeichen hervorbringen konnte, die niemand geplant hatte.

Diese Erfahrung spiegelt sich in ihrer Beschreibung der späteren Gemälde. Sie sagte, die Bilder seien unmittelbar durch sie hindurch gemalt worden, ohne Vorzeichnungen und mit großer Kraft. Nach ihrem Verständnis erfand sie die Bilder nicht, sondern empfing sie.

„Die zehn Größten, Nr. 7“ gehört zu den vier Bildern über das Erwachsenenalter. Das Werk entstand 1907 und wurde von ihr „Grupp IV, De tio största, nr 7, Mannaåldern“ betitelt. Sie malte auf große Papierbögen, die später auf Leinwand aufgezogen wurden. Angesichts ihrer Größe lag der jeweilige Bogen höchstwahrscheinlich flach auf dem Atelierboden, während sie daran arbeitete. Wie die anderen drei Bilder zum Erwachsenenalter hat Nr. 7 einen violetten Hintergrund, mit grünen und roten Akzenten in geschwungenen Formen.

Im Originalgemälde kehren die Buchstaben u, w und s wieder, ebenso das Wort „vestalasket“, das ‚vestalischer Asket‘ bedeutet.

Das Gemälde befindet sich in Stockholm bei der Stiftung, die ihr Werk bewahrt. Vom 4. April 2020 bis zum 11. April 2021 zeigte das Moderna Museet Malmö die vollständige Serie. Dort hingen alle zehn Bilder gemeinsam, so wie af Klint die Serie gesehen wissen wollte.

Was bedeutete das Erwachsenenalter in „Die zehn Größten, Nr. 8“ und wie wurde das Bild bekannt?

„Die zehn Größten, Nr. 8“ entstand 1907 und schließt die vier Bilder zum Erwachsenenalter ab. Während Kindheit, Jugend und hohes Alter jeweils zwei Bilder erhalten, widmet die Serie dem Erwachsenenalter vier, als brauche die Mitte des Lebens den meisten Raum. Nr. 8 enthält dieselben Buchstaben, schnörkelartigen Zeichen und geometrischen Formen wie die drei zugehörigen Bilder, wirkt aber ruhiger: Sanfte Rosatöne dominieren, aufgehellt durch Gelb- und Blautöne.

Erwachsensein war für af Klint keine Frage des Alters. Sie interessierte sich mehr für die spirituelle und geistige Entwicklung als für das körperliche Wachstum. Deshalb handeln die vier Bilder zum Erwachsenenalter davon, was sich im Inneren eines Menschen verändert, und nicht davon, was sich um ihn herum wandelt.

Mit der allmählichen Öffnung ihres Nachlasses begann auch die Öffentlichkeit, Nr. 8 zu verstehen. 1972 wurde die Hilma af Klint Foundation gegründet, um die riesige Sammlung bekannt zu machen. Das war ein erster institutioneller Schritt vom privaten Erbe der Familie hin zu einer breiteren Öffentlichkeit.

Die eigentliche Wiederentdeckung kam 1986, als die Ausstellung „Das Geistige in der Kunst: Abstrakte Malerei 1890-1985“ ihr bis dahin weitgehend unbekanntes Werk zeigte und in die umfassendere Geschichte der Abstraktion einordnete. Diese Ausstellung war Teil einer Entwicklung, in der Werke wie Nr. 8 Anerkennung fanden.

2018 war das Bild in einem der bedeutendsten Museen der modernen Kunst zu sehen. Nr. 8 hing mit den anderen Bildern zum Erwachsenenalter im Solomon R. Guggenheim Museum in New York, in der Ausstellung „Hilma af Klint: Gemälde für die Zukunft“. Das Original befindet sich weiterhin bei der Hilma af Klint Foundation in Stockholm. Die Stiftung verleiht die Werke an Museen und Ausstellungshäuser. In deren Ausstellungen sind die Werke berühmt geworden.

Was bedeutet das hohe Alter in „Die zehn Größten, Nr. 9“?

„Die zehn Größten, Nr. 9, Das hohe Alter“ eröffnet das letzte Bildpaar der Serie. Das 1907 entstandene Gemälde markiert den Punkt, an dem die verspielten organischen Formen der früheren Bilder Symmetrie und Geometrie weichen, während die Serie das hohe Alter erreicht. Auf dem leuchtend rosafarbenen Grund schweben und verbinden sich Spiralen, blütenblattartige Formen und symbolische Zeichen. Klare Konturen verleihen dem Ganzen eine gelassene Ruhe.

Af Klint hinterließ Notizen dazu, was diese Lebensphase für sie bedeutete. Später schrieb sie, dieses Bild handle von einer Gottheit, die sowohl das männliche als auch das weibliche Prinzip in sich aufgenommen habe. Die Notiz beschreibt das hohe Alter als diese Vereinigung: das männliche und das weibliche Prinzip, zusammengeführt in einer Gottheit.

Seinen Platz in der Kunstgeschichte fand das Gemälde durch eine Reihe von Neubewertungen. „Die zehn Größten“ war Teil der Ausstellung „Hilma af Klint, eine Pionierin der Abstraktion“ von 2013. Sie ging erneut der Frage nach, wer tatsächlich mit der abstrakten Malerei begonnen hatte und wann.

2018 gelangte die Serie ins Solomon R. Guggenheim Museum in New York. Dort füllte sie den ersten Ausstellungsraum von „Gemälde für die Zukunft“. Nr. 9 befindet sich weiterhin bei der Stockholmer Stiftung, die ihr Werk betreut.

„Die Taube, Nr. 1“ und christliche Symbolik im Zyklus „Gemälde für den Tempel“

An „Die Taube, Nr. 1“ begann sie 1915 zu malen, in der späten Phase von „Gemälde für den Tempel“. Wo „Die zehn Größten“ von weiten organischen Schwüngen geprägt war, ist dieses Bild streng gegliedert: Symmetrische Achsen durchschneiden eine zentrale Kreisform, die kleinere geometrische Formen umgeben. Alles erscheint in sanften Rosa- und Gelbtönen, gedämpftem Grau und erdigem Braun, mit einer ruhigen, dezenten Leuchtkraft.

Der Weg in diese späte Phase führte über eine Enttäuschung. 1908 reagierte Rudolf Steiner, der österreichische Denker, dessen Schriften sie studierte, kühl auf die Tempelbilder. Af Klint unterbrach ihre abstrakte Malerei bis 1912 und pflegte während eines Teils dieser Pause ihre blinde Mutter.

Als sie das Projekt wieder aufnahm, traten die christlichen Symbole deutlicher hervor. Die Werkgruppe „Die Taube“ gehört zu dieser veränderten Ausrichtung: In der gesamten Gruppe steht die Taube für den Heiligen Geist. Ein Kampf zwischen Gut und Böse entfaltet sich, während der heilige Georg gegen den Drachen kämpft. In ihren Notizen schrieb af Klint, der heilige Georg sei eines ihrer Alter Egos.

„Die Taube, Nr. 1“ hing im Saal 203 des Guggenheim-Museums Bilbao. Das Gemälde gehört der Stockholmer Stiftung, die den Nachlass von af Klint betreut und es für Ausstellungen verleiht.

Der geplante Spiraltempel für „Altarbild Nr. 1“

„Altarbild Nr. 1“ wurde 1915 als Teil der dreiteiligen Werkgruppe vollendet, die „Gemälde für den Tempel“ abschließt. Ihr eigener Titel, „Grupp X, nr 1, Altarbild“, benennt es ganz schlicht als Altarbild. Für diese drei Gemälde verwendete sie Blattmetall, ein traditionelles Material sakraler Kunst. In Nr. 1 steht ein strahlender Kreis im Zentrum einer vertikalen Anordnung: leuchtendes Gelb vor tiefschwarzem Grund, mit Akzenten in Blau, Rot und Violett.

Das Projekt dahinter begann mit einem einzigen Moment. Bei einer Séance im Jahr 1906, so berichtete af Klint, habe ihr ein Geistführer namens Amaliel den Auftrag erteilt. Sie sagte sofort zu und nannte es das große Werk, das sie in ihrem Leben vollbringen sollte. Es folgten acht Jahre Malerei für einen Tempel, der nie gebaut wurde.

In einem Notizbuch, das af Klint von 1930 bis 1931 führte, beschrieb sie den Tempel im Detail: ein rundes, mehrgeschossiges Gebäude, in dem die Besucher auf einem spiralförmigen Weg zu einem Altarraum ganz oben aufsteigen sollten. Dort sollten die drei „Altarbilder“ hängen. Sie baute den Tempel nie, plante ihn aber mit der Genauigkeit einer Architektin.

Die drei Bilder beziehen sich auf eine theosophische Vorstellung von Evolution: aufwärts vom Körperlichen zum Geistigen und abwärts vom Göttlichen zum Materiellen. Von den drei Bildern zeigt Nr. 1 den Aufstieg. Das zugehörige Bild Nr. 2 zieht mit seinem dunklen, umgekehrten Dreieck das Himmlische zur Erde hinab.

Von Oktober 2018 bis April 2019 hing das Gemälde in der Ausstellung „Gemälde für die Zukunft“ im Solomon R. Guggenheim Museum in New York. Die spiralförmige Rampe des Museums schuf für Nr. 1 und die zugehörigen Bilder einen Raum, der dem nie gebauten Tempel ungewöhnlich nahekam. Af Klint hatte sich diesen Tempel fast neunzig Jahre zuvor vorgestellt.

Mehr als 600.000 Menschen sahen die Ausstellung. Damit war sie die meistbesuchte Schau in der Geschichte des Solomon R. Guggenheim Museums. Das Gemälde gehört der Stockholmer Stiftung, die es an Ausstellungen in aller Welt verleiht.

Die sieben Werke folgen einer gemeinsamen Überzeugung: dass ein Bild eine Botschaft durch die Zeit tragen kann, von einer Malerin zu einem Publikum, dem sie nie begegnet ist. Af Klint glaubte, ihr eigenes Jahrhundert sei noch nicht bereit für ihre Bilder. Die Kindheit eröffnet das Leben, in „Die Taube“ entfaltet sich ein Kampf zwischen Gut und Böse und das Altarbild weist aus einem nie gebauten Tempel nach oben. Was bleibt, an Museumswänden ebenso wie auf einem Poster von Hilma af Klint bei Ihnen zu Hause, ist das Gefühl, dass ihre Botschaft von Anfang an uns galt.

Schon gewusst?

• Die ersten 111 Tempelbilder malte sie zwischen November 1906 und April 1908, also etwa eines alle fünf Tage.
• Nach den drei vollendeten „Altarbildern“ fügte sie noch ein kleines Werk hinzu, „Menschliche Keuschheit, Schlussbild“, obwohl sie die „Altarbilder“ als Finale betrachtete.
• Sie wurde am 26. Oktober 1862 im Schloss Karlberg in Stockholm geboren.
• Sie starb 1944, im selben Jahr wie Wassily Kandinsky, Mondrian und Edvard Munch.
• Sie kannte die 1810 erschienene Schrift „Zur Farbenlehre“ von Goethe.
• Einige Werke der Gruppe „Die Taube“ zeigen Ringplaneten, astrologische Symbole und Zahlen, dazu metallische Akzente, die an mittelalterliche Ikonen erinnern.
• „Die zehn Größten“ malte sie mit Tempera auf große Papierbögen, die später auf Leinwand aufgezogen wurden.

Fragen zu den Gemälden von Hilma af Klint

Was bedeutet die Kunst von Hilma af Klint? Die abstrakten Bilder sind Aufzeichnungen spiritueller Botschaften. Sie glaubte, Formen, Buchstaben und Farben kämen von geistigen Führern und seien nicht ihre eigene Erfindung. Neben den Gemälden führte sie mehr als 125 Notizbücher. Ihre mystischen Vorstellungen schöpften aus den esoterischen Lehren von Helena Petrovna Blavatsky ebenso wie aus denen von Rudolf Steiner. Ein Bild kann zugleich als Farbkomposition und als Botschaft wirken.

Welchen Kunststil vertritt Hilma af Klint? Die Tempelbilder entwickeln sich im Lauf der Jahre von großen organischen Formen voller Spiralen und Blütenblätter hin zu strengerer, schematischer Geometrie. Buchstaben und symbolische Zeichen kehren wieder. Die späteren Werke sehen mitunter wie Schaubilder einer privaten Religion aus. Bereits 1906 hatte sie diese symbolische Bildsprache entwickelt, noch bevor die abstrakte Kunst laut der gängigen Kunstgeschichtsschreibung aufkam.

Was sind die bekanntesten Gemälde von Hilma af Klint? „Die zehn Größten“ von 1907 ist die Serie, der die meisten Menschen zuerst begegnen: zehn über drei Meter hohe Bilder, die Kindheit, Jugend, Erwachsenenalter und hohes Alter durchlaufen. Die drei „Altarbilder“ von 1915 fassen das gesamte Tempelprojekt zusammen. „Die Taube“ gehört zu den späten Werkgruppen, die sie 1915 begann. Im Solomon R. Guggenheim Museum in New York füllte „Die zehn Größten“ 2018 den ersten Ausstellungsraum von „Gemälde für die Zukunft“.

Was waren die „Gemälde für den Tempel“? Ein Zyklus aus 193 Gemälden und Zeichnungen, entstanden zwischen 1906 und 1915. Af Klint glaubte, sie habe den Auftrag erhalten, diese Werke für einen Tempel zu schaffen, der nie gebaut wurde. Nach ihrer Aussage bat der Geistführer Amaliel sie am Neujahrstag 1906 darum. Sie war damals 43 und sagte sofort zu.

Was bedeutet die Taube in den Gemälden von Hilma af Klint? In der Werkgruppe „Die Taube“ von 1915 steht die Taube für den Heiligen Geist. Ein Kampf zwischen Gut und Böse entfaltet sich, während der heilige Georg gegen den Drachen kämpft. In zwei Bildern der Gruppe erscheint die Taube mit rötlich gefärbten Flügeln. Große Hände, die sich zwischen Himmel und Erde bewegen, halten sie.

---

Über den Autor

Wir spüren seit 2015 Vintage-Poster auf und restaurieren sie. Wir suchen in Museen, Bibliotheken und privaten Sammlungen nach Motiven, die es zu bewahren lohnt, restaurieren jedes von Hand und drucken in unserer Werkstatt in Barcelona auf Fine-Art-Papier in Museumsqualität. Bei einer Künstlerin wie af Klint, deren Buchstaben und Farben Bedeutung vermitteln sollten, ist es entscheidend, mit der Reproduktion so nah wie möglich am Original zu bleiben.

Quellen

▾

• Britannica: Hilma af Klint
• Moderna Museet: Hilma af Klint, „Die zehn Größten“
• Moderna Museet: Biografie von Hilma af Klint
• Art Blart: „Die zehn Größten, Nr. 2, Kindheit“
• Sammlungsführer des Moderna Museet: Hilma af Klint
• Guggenheim-Museum Bilbao: „Die zehn Größten“ (1907)
• Tate: „Die zehn Größten, Gruppe IV, Nr. 3, Jugend“
• Art Blart: „Die zehn Größten, Nr. 7, Erwachsenenalter“
• Moderna Museet: „Erwachsenenalter, Nr. 5-8“
• Tate: „Die zehn Größten, Gruppe IV, Nr. 8, Erwachsenenalter“
• Hygge by Scandinavia: „Die zehn Größten“, Bedeutung und Symbole
• Frieze: „Hilma af Klint, eine Pionierin der Abstraktion“
• Guggenheim-Museum Bilbao: „Die Taube“ (1915)
• Solomon R. Guggenheim Museum: „Inspiration und Einfluss“
• Moderna Museet: Themen und zentrale Werke
• Guggenheim-Museum Bilbao: „Altarbilder“ und „Schlussbild“
• 20x200: „Altarbild Nr. 1, Gruppe X“
• Art Blart: „Gemälde für die Zukunft“ im Solomon R. Guggenheim Museum
• Artforum: Hilma af Klint
• Dream Idea Machine: „Hilma af Klint, Künstlerin, Forscherin, Medium“
• Audiobeitrag des Solomon R. Guggenheim Museums: „Die zehn Größten, Nr. 7“
• Time Out: Hilma af Klint
• Airmail: Hilma af Klint
• museums.co: Hilma af Klint