GUSTAV KLIMT|12 MIN. LESEZEIT

Was die Werke von Gustav Klimt bedeuten

Das Gold kennen Sie. Vielleicht wissen Sie aber nicht, für wen Klimt seine beliebtesten Bilder malte und was mit ihnen geschah, nachdem sie sein Atelier verlassen hatten.

TEXT Moryarty

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„Dame mit Muff“ von Gustav Klimt, 1916
Gustav Klimt, CC BY-SA 4.0, über Wikimedia Commons

Was die Kunst von Gustav Klimt bedeutet, hängt davon ab, welches Werk Sie betrachten und was nach seiner Entstehung mit ihm geschah. Klimt (1862–1918) war ein Wiener Maler und Mitbegründer der Wiener Secession. Diese Künstlergruppe spaltete sich 1897 vom konservativen Kunstbetrieb der Stadt ab. Im Laufe seiner Karriere wechselte er von Wandmalereien in großen öffentlichen Gebäuden zu Porträts für private Auftraggeber. Mit den Aufträgen änderten sich auch seine Motive. Die sieben Werke, deren Geschichte dieser Artikel nachzeichnet, reichen von biblischen Themen über einen Universitätsauftrag und private Porträts bis zu Ausstattungsaufträgen.

Die Bedeutung eines Werks beginnt mit der Frage, warum und für wen es entstand. Sie entwickelt sich mit den Reaktionen der ersten Betrachter und den Deutungen späterer Generationen. Wer es besaß und was mit ihm geschah, verändert sie erneut. Die sieben Geschichten kreisen immer wieder um dieselben Themen: Liebe, Gesundheit, Identität und künstlerische Freiheit, aber auch um die dunkleren Kapitel des 20. Jahrhunderts mit Beschlagnahmungen, Zerstörung im Krieg und Restitution.

Warum empörte Klimts Gemälde mit der Hygieia-Figur die Wiener Professoren und verbrannte 1945?

Die Gesundheitsgöttin von Klimt ist kein eigenständiges Gemälde. Sie steht am unteren Rand von „Medizin“, einem der drei Fakultätsbilder, die Klimt für die Decke des Festsaals der Universität Wien malen sollte. Das Ministerium für Kultus und Unterricht hatte ihn mit „Philosophie“, „Jurisprudenz“ und „Medizin“ beauftragt. Die Bilder sollten den Saal im neuen Universitätsgebäude von Heinrich von Ferstel an der Ringstraße schmücken, das 1884 eröffnet worden war. Während die Ausstattung öffentlicher Gebäude gewöhnlich Errungenschaften feierte, stellte Klimt das menschliche Leben als ein von Krankheit und Tod bestimmtes Schicksal dar.

„Hygieia“

Hygieia erscheint als Figur, die Leben und Tod miteinander verbindet. Das weicht radikal von der üblichen Darstellung der Gesundheitsgöttin ab. „Medizin“ war erstmals 1901 in der zehnten Ausstellung der Secession zu sehen. Die Reaktionen fielen noch wütender aus als zuvor bei „Philosophie“: Eine medizinische Fachzeitschrift griff das Gemälde an, und eine Gruppe von Universitätsprofessoren legte formell Beschwerde dagegen ein.

Berta Zuckerkandl erinnerte sich in ihren Memoiren, dass der Rektor eine Petition verlas, die eine Annahme der Deckengemälde als Beleidigung der Kunst bezeichnete. Ein Dekan habe erklärt, Klimt habe es gewagt, an das zu rühren, was Raffael für die Ewigkeit geschaffen habe. Der Anatom Emil Zuckerkandl stand auf der anderen Seite. Er gehörte zu den wenigen Professoren, die sich mit ihrer Unterschrift für den Verbleib der Gemälde aussprachen. Der Streit endete 1905, als Klimt seinen Vertrag mit dem Ministerium auflöste und die drei Werke zurückkaufte. Danach nahm er keine öffentlichen Aufträge mehr an und wandte sich privaten Auftraggebern zu.

Nach dem Rückkauf gelangten die drei Gemälde in Privatbesitz. Sie wechselten mehrmals den Besitzer, bevor die Nationalsozialisten sie 1938 ihren jüdischen Eigentümern wegnahmen. Während des Krieges kamen die drei Leinwände in ein Kunstdepot auf Schloss Immendorf in Niederösterreich. Dort zerstörte sie am 8. Mai 1945 ein Brand. Man vermutet, dass abziehende SS-Einheiten das Schloss in Brand setzten, doch zweifelsfrei belegen ließ sich das nie. Kein Museum besitzt heute das Original von „Medizin“.

Erhalten ist eine spärliche, aber kostbare Dokumentation. Die einzige vor dem Brand entstandene Farbreproduktion des Hygieia-Ausschnitts findet sich als Tafel 10 in dem Buch „Klimt: Eine Nachlese“ von Max Eisler, erschienen 1931 in Wien. Bedeutende Vorstudien zu „Medizin“ bewahren das Israel Museum in Jerusalem, die Albertina und das Wien Museum auf. Zusammen mit Fotografien ermöglichen sie es, das Werk weiterhin zu erforschen, obwohl das Gemälde selbst verloren ist.

Ein neues Kapitel begann am 13. November 2024. An der Fassade eines Forschungsgebäudes der Medizinischen Universität Wien auf dem Campus des AKH Wien wurde eine etwa 12 mal 8 Meter große Farbrekonstruktion von „Medizin“ enthüllt, die mithilfe künstlicher Intelligenz entstanden war. Google Arts & Culture erstellte sie gemeinsam mit dem Belvedere in Wien. Dank der Rekonstruktion von 2024 können Besucher und Beschäftigte „Medizin“ an einem Universitätsgebäude wieder vollständig in Farbe und mit Hygieia am unteren Bildrand sehen. Zuvor kannte man die gesamte Komposition nur in Schwarz-Weiß.

„Judith“ und der Wandel von biblischem Heldentum zu sexueller Macht

Die mit Blattgold gestaltete „Judith“ von Klimt verwandelt die biblische Geschichte einer durch Enthauptung geretteten Stadt in etwas, das eher einem Kampf der Geschlechter gleicht. Das Belvedere in Wien, dem das Gemälde gehört, deutet Judith heute als gefährliche, verführerische Ikone der Weiblichkeit. Das Museum betont, dass das Bild dem männlichen Aggressor keinen Raum lässt. Judith hält den Kopf beinahe zärtlich, als schiebe sie ihn aus dem Bild.

„Judith und Holofernes“

Das Gemälde ist in Öl und Blattgold auf Leinwand ausgeführt und unten links signiert. Am oberen Rand des Rahmens steht der Titel „JUDITH UND HOLOFERNES“. Ein Katalog der Wiener Secession von 1901 führt das Werk in Raum III unter der Nummer 20 als „Judith und Holofernes“ mit dem Vermerk „Privatbesitz“ auf. Den Namen „Judith I“ erhielt es zur Unterscheidung von einem zweiten Judith-Bild, das Klimt 1909 malte.

Die dokumentierte Besitzgeschichte beginnt in Wien. 1901 gehörte das Bild Anton Loew. Spätestens 1907 befand es sich bei Sophie Loew-Unger, ebenfalls in Wien, und spätestens 1920 bei Berthe Hodler, der Witwe des Malers Ferdinand Hodler, in Genf. 1954 kaufte das Belvedere ihr das Gemälde ab und brachte es zurück nach Wien.

Einige Autoren haben Adele Bloch-Bauers Züge in Judiths Gesicht erkannt. Sie verweisen darauf, dass Judiths Halsschmuck dem Schmuck in Klimts späterem Adele-Porträt ähnelt. Doch kein Dokument bestätigt diese Identifizierung. Heute hängt das Gemälde im Oberen Belvedere.

Wie der „Beethovenfries“ die zeitlich begrenzte Ausstellung, für die er entstand, überdauerte

Der „Beethovenfries“ entstand für die vierzehnte Ausstellung der Wiener Secession, eine Hommage an den Komponisten, die vom 15. April bis zum 27. Juni 1902 lief. Unter der Leitung von Josef Hoffmann arbeiteten 21 Künstler an der Schau. Ihr Ziel war es, Architektur, Malerei, Skulptur und Musik zu vereinen. Im Hauptsaal stand die Beethoven-Statue von Max Klinger. Klimts Fries verlief entlang des linken Seitengangs, den die Besucher zuerst betraten. Eine Öffnung in der Wand gab den Blick auf die Statue frei. Klimt war damals Präsident der Secession.

„Beethovenfries“

Der Fries folgt der Deutung der „9. Sinfonie“ von Beethoven, die Richard Wagner 1846 veröffentlichte. Die Bildfolge endet mit einem Engelschor und einem sich umarmenden Liebespaar. Sie stehen für „An die Freude“ von Schiller und für ein Glück, das durch Liebe erreicht wird.

Ein Kritiker schrieb, der Fries eigne sich vielleicht für eine Höhle mit heidnischen Orgien, nicht aber für Ausstellungsräume, in die ehrbare Frauen und Mädchen eingeladen würden. Das Publikum sah es anders. Die Schau zog fast 60.000 Besucher an und wurde zu einem der größten Publikumserfolge der Secession. Bei der Vorbesichtigung stellte Gustav Mahler sechs Posaunisten auf die Treppe. Sie spielten einen Auszug aus Beethovens Vertonung von „An die Freude“, den Mahler selbst arrangiert hatte.

Der Fries war nur für die Dauer der Ausstellung gedacht. Die Wandmalereien der anderen Künstler wurden nach dem Ende der Ausstellung zerstört. Die Secession hatte bereits eine große Klimt-Retrospektive für das folgende Jahr geplant. Klimts Förderer Carl Reininghaus kaufte den Fries und ließ ihn von der Wand abnehmen. Nur deshalb ist er überhaupt erhalten. Reininghaus fand keinen geeigneten Ort, um ihn auszustellen. Auch August Lederer konnte ihn nicht zeigen, nachdem er ihn 1915 gekauft hatte.

Unter den Nationalsozialisten wurde der Fries beschlagnahmt. Nach dem Zweiten Weltkrieg erhielt ihn Erich Lederer in Genf zurück, bekam aber keine Ausfuhrgenehmigung. Nach 1961 lagerte der Fries im Unteren Belvedere. 1973 verkaufte Lederer ihn für rund 750.000 US-Dollar an die Republik Österreich, wobei einige Quellen 1972 als Verkaufsjahr nennen.

Das Bundesdenkmalamt restaurierte den Fries unter der Leitung von Manfred Koller und schloss die Arbeiten 1984 ab. Eine während der Restaurierung angefertigte Kopie in Originalgröße war im selben Jahr auf der Biennale in Venedig zu sehen. 1985 zeigte das Künstlerhaus den restaurierten Fries in einer Rekonstruktion der Seitengalerie von Hoffmann. Seit 1986 ist er in einem eigenen Raum im Untergeschoss der Secession öffentlich zugänglich. Die Erben der Familie Lederer beantragten 2013 die Restitution. Eine staatliche Kommission lehnte ihren Antrag 2015 ab.

Wer war Adele Bloch-Bauer und wie wurde ihr Porträt zurückgewonnen?

Im Sommer 1903 beauftragte der Bankier Ferdinand Bloch-Bauer Klimt mit einem Porträt seiner Frau Adele. Einer Darstellung zufolge war es als Geschenk zum Hochzeitstag ihrer Eltern im Oktober gedacht. Klimt arbeitete jahrelang daran. Das fertige „Bildnis Adele Bloch-Bauer I“ gehört zu seinen eindrucksvollsten Bildern. Es ist in Öl, Gold und Silber auf Leinwand ausgeführt, unten rechts signiert und 1907 datiert. Adele sitzt aufrecht in einem Feld aus Gold, die Hände zart ineinandergelegt. Das Jewish Women's Archive beschreibt das Ergebnis als moderne Ikone einer Grande Dame.

„Bildnis Adele Bloch-Bauer I“

Das Gemälde war erst Anfang 1907, im Jahr seiner Fertigstellung, öffentlich zu sehen: zunächst in Mannheim, dann 1908 bei der Kunstschau in Wien. 1938 beschlagnahmten die Nationalsozialisten es zusammen mit vier weiteren Klimt-Gemälden im Haus der Familie Bloch-Bauer und entfernten sie von dort. 1941 übergab der von den Nationalsozialisten eingesetzte Anwalt, der Ferdinands Vermögen verwaltete, das Porträt der Galerie Belvedere in Wien. Er erklärte, damit den Wünschen nachzukommen, die Adele in ihrem Testament geäußert hatte.

Jahrzehntelang hing das Gemälde in Wien unter dem Namen „Frau in Gold“, einem Titel, der die Identität der Porträtierten verbarg. Der neue Titel vollendete, was die Beschlagnahmung begonnen hatte: Mit diesem Titel verschwand der Name Adele Bloch-Bauer vom Museumsschild. Das Porträt, das zu ihren Ehren entstanden war, trug ihren Namen nicht mehr. 1998 wies der Journalist Hubertus Czernin nach, dass das Belvedere mehrere Werke besaß, die jüdischen Eigentümern geraubt worden waren, und deren Rückgabe verweigert hatte. Das Porträt war eines davon.

Maria Altmann, Ferdinands Nichte, beauftragte den Anwalt E. Randol Schoenberg damit, fünf Klimt-Werke vom Belvedere zurückzufordern. Das Verfahren dauerte sieben Jahre und führte bis zu einer Anhörung vor dem Obersten Gerichtshof der USA. Schoenberg stimmte einem Schiedsverfahren in Österreich zu, auch weil Altmann bereits 85 war. Zunächst nannte sie ihn verrückt. 2005 entschied ein österreichisches Schiedsgericht, dass die Gemälde an die Erben zurückzugeben seien.

2006 verkaufte Altmann das Porträt für 135 Millionen US-Dollar an Ronald Lauder, damals ein Rekordpreis für ein Gemälde. Lauder erwarb es für die Neue Galerie New York. Dort ist es seit 2006 dauerhaft ausgestellt, dem Wunsch der Familie entsprechend. Schoenberg erklärte, Altmann habe es zum einen verkauft, um die Wahrheit über das Schicksal ihrer Familie zu erzählen. Zum anderen hätten die Erben, denen es gemeinsam gehörte, die Versicherung für das Gemälde in einem Privathaus nicht bezahlen können. Der Name Adele Bloch-Bauer, den der alte Titel verschwinden ließ, gehört heute wieder zum Titel des Gemäldes.

„Der Kuss“ wurde gekauft, bevor das Bild fertig war

Die Kunstschau Wien von 1908, die Klimt, Josef Hoffmann und ihre Kollegen in Rekordzeit organisierten, öffnete am 1. Juni. Klimt hatte sein berühmtes Bild eines sich umarmenden Liebespaars bis zur Eröffnung nicht fertigstellen können. Es wurde unter seinem ursprünglichen Titel „Liebespaar“ gezeigt. Das Gemälde war der Höhepunkt des Klimt-Saals und die Hauptattraktion der gesamten Ausstellung. Noch während die Schau lief, kaufte das österreichische Unterrichtsministerium es für die Moderne Galerie.

„Der Kuss“

Die Galerie war erst fünf Jahre zuvor eröffnet worden und heißt heute Belvedere. Beim Kauf für 25.000 Kronen war das Gemälde noch unvollendet. 1909 wurde es fertiggestellt und gegen Zahlung des vereinbarten Preises dem Ministerium übergeben. Das Belvedere hält es für wahrscheinlich, dass Klimt nach der Kunstschau bis 1909 weitere Änderungen vornahm. Eine frühe Fotografie dokumentiert den ersten Zustand des Bildes.

Im Herbst 1909 führte ein Katalog der Modernen Galerie das Werk erstmals als „Der Kuss“ auf. Unter diesem Titel ist es heute weltberühmt.

Das Gemälde verdankt seine Wirkung zu einem großen Teil den Materialien. Blattgold schmückt die Gewänder des Liebespaars, während den Hintergrund Flocken aus Gold, Silber und sogar Platin durchziehen. Das Gemälde entstand auf dem Höhepunkt der Goldenen Periode von Klimt. Damals entwickelte er eine Technik, die Blattgold mit Ölfarben und Bronzefarbe verband. Beim Einsatz von Gold orientierte er sich an byzantinischen Mosaiken und der Ikonenmalerei. Der Stil der Goldgrundikonen ist normalerweise religiösen Motiven vorbehalten. Hier übertrug er ihn auf die weltliche Liebe. Das Werk wird oft als monumentale Ikone bezeichnet.

Viele Menschen nehmen an, das Paar zeige Klimt und seine Gefährtin Emilie Flöge, vielleicht am Attersee, wo sie ihre Sommer verbrachten. Das Belvedere weist darauf hin, dass keine biografische Quelle belegt, Klimt habe sich selbst und sie darstellen wollen. Die Identifizierung bleibt also eine romantische Vermutung. Sicher ist hingegen, wo das Gemälde geblieben ist. Seit dem Kauf gehört es zur Sammlung des Belvedere. Es hängt im Oberen Belvedere in Wien als Höhepunkt der Dauerausstellung.

„Erfüllung“ und die Gestaltung des Speisesaals im Palais Stoclet

Der belgische Finanzier Adolphe Stoclet und seine Frau Suzanne beauftragten Josef Hoffmann und die Wiener Werkstätte damit, ihr Brüsseler Palais samt geometrisch angelegten Gärten zu entwerfen, auszugestalten und einzurichten. Das Projekt lief von 1905 bis 1911. Klimt sollte den Mosaikfries für den Speisesaal entwerfen. Seine Zeichnung des sich umarmenden Liebespaars ist einer von neun Entwurfskartons, also Arbeitszeichnungen in Originalgröße, die er für den Fries schuf, überwiegend zwischen 1908 und 1911.

„Erfüllung“

„Erfüllung“, auch „Liebespaar“ genannt, bildet den Abschluss des Frieses und das Gegenstück zu „Erwartung“ auf der gegenüberliegenden Seite. Das Motivpaar „Erwartung“ und „Erfüllung“ beschäftigte Klimt in seinen Zeichnungen schon 1904 oder 1905, Jahre bevor er den Auftrag abschloss. Die beiden Szenen stehen sich im Speisesaal gegenüber.

Die Zeichnung entstand in Wien und in Kammerl am Attersee. Sie ist in Kreide, Bleistift und Gouache sowie mit Bronze, Silber, Gold und Platin ausgeführt. Die Wiener Mosaik-Werkstätte von Leopold Forstner führte den Fries als Mosaik aus. Die Arbeitszeichnungen geben Email, Goldeinlagen und farbiges Glas als Materialien vor.

Das MAK, das Museum für angewandte Kunst in Wien, besitzt die Originalzeichnung. Nach Angaben des Museums kann man davon ausgehen, dass das sich umarmende Liebespaar Gustav Klimt und Emilie Flöge darstellt. Das bleibt eine mögliche Deutung und ist kein biografisch belegtes Porträt. Die abschließende Umarmung greift das Liebespaar auf, mit dem der „Beethovenfries“ endet. Stilistisch steht die Zeichnung dem Gemälde „Der Kuss“ nahe.

Das Palais Stoclet befindet sich weiterhin im Privatbesitz der Familie Stoclet und ist nicht öffentlich zugänglich. Wer den Entwurf sehen möchte, kann die Kartons in Wien betrachten. Zum 150. Geburtstag von Klimt zeigte das MAK 2012 die neun erhaltenen Entwurfskartons nach mehrjähriger Restaurierung wieder. Die Ausstellung „Erwartung und Erfüllung“ lief vom 21. März bis zum 15. Juli.

Wer war Mäda Primavesi und wie gelangte ihr Porträt nach New York?

Otto Primavesi, Bankier und Industrieller aus einer der wohlhabendsten Familien Mährens, und seine Frau Eugenia förderten die Wiener Moderne. Zwischen 1912 und 1914 gaben sie bei Klimt zwei Porträts in Auftrag: eines von ihrer Tochter Mäda und eines von Eugenia. Mäda war neun Jahre alt, als Klimt mit ihrem Porträt begann.

„Mäda Primavesi“

Mäda berichtete später, dass sie und ihre Mutter regelmäßig zu den Porträtsitzungen nach Wien reisten. Klimt fertigte zahlreiche Skizzen an und erprobte Posen, Kleidung und Hintergrundmotive, bevor er sich für die endgültige Fassung entschied. Im Sommer 1913 stellte er der Familie eine Quittung über eine Anzahlung von 15.000 Kronen für die beiden Porträts von Mäda und ihrer Mutter aus.

Im fertigen Bild trägt Mäda ein weißes Kleid mit zarten Ornamenten. Auf Anregung von Klimt fertigte seine Gefährtin, die Designerin Emilie Flöge, das Kleid an. Die Familie unterstützte auch die Wiener Werkstätte: Otto Primavesi half, sie finanziell am Leben zu halten, nachdem ihr erster Geldgeber Fritz Waerndorfer ausgeschieden war. In den 1910er-Jahren entwickelte die Familie Primavesi eine enge Beziehung zu Klimt. Sie lud ihn zu Weihnachts- und Neujahrsfeiern in ihr von Josef Hoffmann entworfenes Landhaus in Winkelsdorf ein.

Das Metropolitan Museum of Art betont, dass die Haltung und der Gesichtsausdruck von Mäda für eine Neunjährige ein bemerkenswertes Selbstbewusstsein zeigen. Das entspricht ihrer späteren Selbstbeschreibung, sie sei eigenwillig und ein Wildfang gewesen. Der Eigensinn, an den sie sich erinnerte, deutet darauf hin, dass das Selbstbewusstsein im Porträt tatsächlich ihr eigenes war und nicht nur den Wohlstand ihrer Familie spiegelte.

Otto Primavesi besaß das Bild von 1913 bis zu seinem Tod 1926. Danach blieb es bei seiner Witwe Eugenia. Die Familie musste mehrere Gemälde aus ihrer Klimt-Sammlung verkaufen, wahrscheinlich weil die Wiener Werkstätte Verluste machte und das eigene Bankhaus zusammenbrach. 1928 gelangte das Porträt über Hugo Bernatzik zur Neuen Galerie in Wien, die es an Jenny Pulitzer Steiner verkaufte.

1938 beschlagnahmten die Nationalsozialisten das Porträt bei Jenny Pulitzer Steiner in Wien. 1951 erhielt sie es zurück. 1964 kam es als Schenkung von André und Clara Mertens an das Metropolitan Museum of Art in New York, zum Andenken an Claras Mutter, der das Bild zuvor gehört hatte. Das Original hängt im Saal 800 des Met.

Sehen Sie sich die sieben Werke noch einmal an und wählen Sie für Ihre Wand die Geschichte, mit der Sie leben möchten, nicht nur das Gold, das Sie zuerst wiedererkannt haben.

Schon gewusst?

  • Klimt begann seine Karriere mit seinem Bruder Ernst und ihrem Freund Franz Matsch als Künstler-Compagnie. Gemeinsam malten sie Wandbilder in großen öffentlichen Gebäuden.
  • Der „Beethovenfries“ gilt als erstes Werk der Goldenen Periode von Klimt. Er verbindet Farbe und Gold mit vergoldetem Stuck, Perlmuttknöpfen, Spiegelfragmenten und Halbedelsteinen auf einer Mörtelschicht über Schilfmatten.
  • 1902 konnten Besucher nach Angaben der Kunsthistorikerin Alessandra Comini in dem Ritter mit goldener Rüstung im Fries Gustav Mahler erkennen.
  • Klimts „Philosophie“, eines der drei Fakultätsbilder, gewann auf der Pariser Weltausstellung eine Goldmedaille. Dennoch griffen viele Kritiker in Österreich das Werk an.
  • Klimt fertigte in den 1890er-Jahren Hunderte von Skizzen und Entwürfen für seine drei Gemälde für die Universität Wien an.
  • Der nationalsozialistische Rektor und Anatom Eduard Pernkopf unterstützte die Rückgabe der Fakultätsbilder an die Universität, bevor sie nach Schloss Immendorf gebracht wurden.
  • Eine Wiener Zeitung beschrieb in einer Rezension vom 9. Januar 1916 das Porträt eines etwa zehnjährigen Mädchens in einem weißen Kleid. Die Klimt-Datenbank identifiziert es als das Porträt von Mäda Primavesi.

Antworten auf Fragen zu Gustav Klimt

Warum wurde das Gemälde „Medizin“ von Klimt zerstört? Das Gemälde mit Hygieia am unteren Bildrand wurde 1938 zusammen mit den beiden anderen Fakultätsbildern seinen jüdischen Eigentümern weggenommen. Während des Krieges waren die drei Werke in einer Wiener Ausstellung zu sehen und wurden anschließend eingelagert. Später brachte man sie nach Schloss Immendorf in Niederösterreich, wo sie am 8. Mai 1945 bei einem Brand zerstört wurden.

Welche mythologischen Szenen malte Klimt? „Judith und Holofernes“ und die Figur der Hygieia gehen auf biblische und antike Quellen zurück. Für Werke wie seine „Danaë“, eine liegende Figur, die von wirbelnden Stoffbahnen umhüllt wird, griff Klimt auch auf die griechische Mythologie zurück. Einen Druck dieses Gemäldes können Sie an Ihrer eigenen Wand aufhängen.

Was sind die sinnlichsten oder erotischsten Werke von Klimt? „Der Kuss“ und „Erfüllung“ stellen die Liebe zärtlich dar, doch am unmittelbarsten zeigt sich die Erotik bei Klimt in seinen Akten. „Wasserschlangen II“ mit seinen ineinander verschlungenen Frauenfiguren und fließenden Haaren gehört dazu. Weitere Vintage-Drucke zu diesem Thema finden Sie in unserer Erotik-Kollektion.

Wie viel sind Gemälde von Klimt wert? Die Preise unterscheiden sich stark von Werk zu Werk. „Bildnis Adele Bloch-Bauer I“ wurde 2006 für 135 Millionen US-Dollar verkauft, damals ein Rekordpreis für ein Gemälde. Der Käufer Ronald Lauder bestätigte öffentlich nur, dass er mehr bezahlt hatte als den bisherigen Rekordpreis von 104,2 Millionen US-Dollar, den Picassos „Junge mit Pfeife“ erzielte.

Malte Klimt Adele Bloch-Bauer mehr als einmal? Ja. Es gibt ein zweites Porträt, „Adele Bloch-Bauer II“. WikiArt datiert den Auftrag dafür auf 1912. Klimt malte sie auch als Pallas Athene.

Welcher Rahmen eignet sich für ein Klimt-Poster? Bei den stark von Gold geprägten Werken von Klimt bevorzugen wir einen schwarzen Rahmen, der das Gold hervorhebt. Unser schwarzer Aluminiumrahmen hat eine Acrylglasscheibe. Wenn Sie ihn zusammen mit einem Poster bestellen, rahmen wir das Poster kostenlos ein.

Über den Autor

Wir sind das Team von Moryarty. Seit 2015 spüren wir Vintage-Poster in Bibliotheken, Museen, Online-Sammlungen, Privatsammlungen und auf Märkten auf. Wir restaurieren jedes von Hand und drucken es selbst in unserer Werkstatt in Barcelona auf Fine-Art-Papier in Museumsqualität. Gold und Muster bei Klimt verlangen eine präzise Farbwiedergabe. Bei der Restaurierung achten wir darauf, den Originalentwurf und seine Farben niemals zu verändern. Genau darauf kommt es bei diesen Werken an.

Quellen

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