HENRI MATISSE|10 MIN DI LETTURA

Guida alle opere di Henri Matisse

Sono immagini che probabilmente hai già visto, e ciascuna è cambiata durante la sua realizzazione. Nel 1935 una nuova modella arrivò nello studio di Nizza, e il quadro che la ritrae addormentata venne fotografato in ogni fase. Possiamo così ricostruire ancora oggi le scelte che lo hanno definito.

AUTORE Moryarty

«La gioia di vivere» di Matisse — Henri Matisse, pubblico dominio, tramite Wikimedia Commons

Di solito si presenta Henri Matisse attraverso i suoi periodi: gli anni dei Fauves, gli interni decorativi, i ritagli dell'ultimo decennio. La sua ricerca, però, non ha mai seguito questa scansione. Una posa, una manica e un foglio blu ricorrono nei suoi quadri, nelle stampe e nelle carte ritagliate. Le sei opere di Henri Matisse raccolte qui seguono questo filo dal 1935 al 1952. Ogni storia racconta chi posò per l'opera, come Matisse la modificò o come venne stampata, e quale museo o collezione la conserva oggi.

La storia va dall'arrivo di una nuova modella nello studio di Nizza nel 1935 ai quattro «Nudi blu» ritagliati nel 1952. È la fotografia a permetterci di seguirla: dal 1935 Matisse faceva fotografare le sue tele in ogni fase per controllare il lavoro mentre procedeva. Si conservano le fotografie degli stati di «Le Rêve» e di «La Blouse roumaine», dipinto realizzato cinque anni dopo. Le stampe portarono poi le opere fuori dallo studio: Edmond Vairel stampò le tavole di «Jazz» con le stesse gouache Linel delle maquette, mentre Mourlot stampò a Parigi il poster di Nizza. Oggi queste opere sono nei musei: il Centre Pompidou conserva i due quadri, la maquette di «Le cirque» e due dei «Nudi blu», mentre il Museum of Modern Art di New York possiede la litografia di Nizza.

«Le Rêve» e la nuova modella che cambiò il lavoro di Matisse

Matisse iniziò «Le rêve» (1935) a Nizza il 1 aprile 1935 e lo terminò il 14 maggio. Quelle sei settimane segnarono l'inizio di qualcosa di più ampio: il 1935 fu l'anno in cui Lidija Delektorskaja cominciò a posare per lui ogni giorno. È lei la donna addormentata del quadro, in una posa che avrebbe ripreso più e più volte. Alla fine degli anni trascorsi con Matisse, aveva posato per oltre cento disegni e schizzi e per circa novanta quadri. La figura distesa e rilassata di quest'opera appartiene agli inizi di quella collaborazione, durata molti anni.

La scheda del Centre Pompidou osserva che l'incontro con questa modella diede a Matisse una visione diversa, e che la posa rilassata compare già nel primo disegno che fece di lei. La serenità che il museo riconosce nel volto si diffonde in tutta la tela.

Si conservano le fotografie di sei stati del quadro, che documentano le modifiche sostanziali. Di fase in fase, la figura diventò sempre più grande, fino a oltrepassare il bordo della tela.

A questo quadro si affiancava «Le Nu rose», dipinto nello stesso periodo: la tela che il Centre Pompidou definisce la più importante dell'anno e che oggi si trova al Baltimore Museum of Art. Il museo interpreta «Le rêve» come un passo verso quel quadro di dimensioni maggiori. Le due opere condividono il tessuto a quadri del divano e l'accostamento del blu al rosa. Nella descrizione che il museo dà della versione finale, il corpo rosa appare come una forma sul fondo blu, e gli elementi blu dello sfondo diventano forme autonome.

Il quadro ebbe poi una storia che possiamo seguire attraverso i documenti. Nel 1947 viaggiò dalla Pierre Matisse Gallery di New York al Palazzo dei Papi di Avignone per una mostra. Ventuno anni dopo, nella retrospettiva di Matisse del 1968 alla Hayward Gallery di Londra, era esposto con il titolo «Il sogno». All'epoca apparteneva alla collezione di Pierre Matisse e della moglie.

Nel 1979 il Musée national d'art moderne di Parigi lo acquistò, e da allora fa parte della collezione del Centre Pompidou. Nel 1940 Matisse dipinse un altro quadro, diverso, intitolato «Le Rêve»: è quindi la data del 1935 a identificare questa tela.

Come una camicetta romena ricamata diventò «La Blouse roumaine»

La scheda del Centre Pompidou ricorda che Matisse collezionava tessuti artigianali e ammirava la bellezza grafica dei loro motivi. Questo interesse emerge nei disegni a penna pubblicati su Cahiers d'art nel 1936, dove la modella indossa già una camicetta con maniche ampie e ricamate. Un testo museale riprodotto da Sarah Aaronson riferisce che le camicette all'origine di questo gruppo di opere provenivano da un amico di Matisse, Pallady. Le camicette contadine romene erano di moda nella Parigi degli anni Venti, anche perché le indossava Maria di Sassonia-Coburgo-Gotha, regina di Romania.

Dipinse «La camicetta romena» (1940) all'Hôtel Régina di Nizza tra il dicembre 1939 e l'aprile 1940. La modella iniziale era Lidija Delektorskaja, anche se nel corso degli anni altre donne sono state indicate come fonte d'ispirazione, tra cui Elvira Popescu, Elena Văcărescu, Anna de Noailles e Martha Bibescu. All'inizio il quadro aveva uno sfondo a fiori e ritraeva una modella con riccioli castani e ciocche arrotolate secondo la moda del tempo. Indossava quella che Matisse definiva «una bella camicetta romena antica, ricamata a punto croce in rosso antico».

Matisse faceva fotografare i suoi quadri in ogni fase già dal 1935, e questa tela offrì la documentazione più completa di quell'abitudine: ogni stato venne fissato sulla pellicola mentre il lavoro procedeva. Via via, l'arredo scomparve, i motivi si semplificarono e i colori si organizzarono in campiture piatte, finché un ovale uniforme prese il posto dei lineamenti della modella. A non scomparire fu la camicetta. Il Centre Pompidou considera la decorazione ricamata il vero soggetto del pittore, e qui sta il sottile paradosso del quadro: nacque con la donna come soggetto e finì per avere come soggetto la camicetta.

Quando il quadro venne esposto, le fotografie gli furono appese accanto. Nel dicembre 1945 la nuova Galerie Maeght inaugurò la sua attività a Parigi con sei quadri di Matisse: era il suo primo evento in città. Questa tela era accompagnata dalle fotografie datate delle tredici fasi, incorniciate come quadri autonomi.

François Campaux trasformò poi le fotografie in un film che le mostra una dopo l'altra, permettendo di seguire passo dopo passo la realizzazione del quadro.

Nell'appartamento di Matisse sul boulevard Montparnasse, «La Blouse roumaine» e l'altro quadro del 1940, intitolato «Le Rêve», erano appesi in posizione simmetrica ai due lati di un'opera precedente. Entrò nelle collezioni nazionali in due passaggi: prima come deposito temporaneo, in sostituzione di un quadro concesso in prestito, poi come dono, con la dichiarazione dell'artista del 21 ottobre 1949. Lo Stato registrò l'assegnazione nel 1953, e da allora «La Blouse roumaine» appartiene al Centre Pompidou, Musée national d'art moderne.

Il quadro ha avuto una seconda vita nella moda. Yves Saint Laurent intitolò una collezione del 1981 «La Blouse roumaine», e sia Jean Paul Gaultier sia Tom Ford hanno creato collezioni a partire dalla sua immagine. Con il Centre Pompidou chiuso per lavori di ristrutturazione, la tela è in viaggio verso l'H'ART Museum di Amsterdam per la mostra «Chez Matisse»: è solo la seconda volta che il Pompidou la concede in prestito.

«Il circo» e i progetti di Tériade per «Jazz»

Tériade, l'editore di origine greca che si chiamava in realtà Efstratios Eleftheriadis, aveva già proposto a Matisse un libro a colori entro l'estate del 1941. Lo descriveva come un manoscritto moderno con dipinti. Il libro che sarebbe diventato «Jazz» ebbe dapprima un altro titolo, e l'immagine oggi nota come «Il circo» (1947) è una delle sue tavole.

Nel frattempo, le condizioni di Matisse erano cambiate radicalmente. La diagnosi di un tumore nel 1941 e l'intervento che seguì lo costrinsero a letto o su una sedia. Aveva 74 anni quando iniziò a lavorare al libro. Non poteva più dipingere o scolpire come prima, così divise il lavoro con i suoi assistenti: loro dipingevano i fogli di carta a gouache, e Matisse li ritagliava. Le forbici presero il posto del pennello, e lui poteva lavorare la carta da una sedia.

La maquette della pagina del circo risale al luglio 1946 e adotta la tecnica di tutte le immagini di «Jazz»: carta dipinta a gouache, ritagliata e incollata su carta montata su tela. Potrebbe essere stata pensata per la copertina del libro, anche se i documenti considerano questa destinazione un'ipotesi, non un fatto accertato. È invece certa la sua collocazione finale: tavola II, la prima immagine a tutta pagina che compare in «Jazz».

Le prime immagini raffiguravano così tanti artisti circensi che inizialmente il libro doveva intitolarsi «Le Cirque». Poi si aggiunsero soggetti che non avevano nulla a che fare con il circo, e il titolo diventò «Jazz». Matisse diceva che le immagini nascevano da quelli che chiamava ricordi cristallizzati di circhi, racconti popolari e viaggi. La pagina del circo mostra perché il primo titolo fosse appropriato: una grande campitura blu, un acrobata nero in uno spazio bianco obliquo, una fascia gialla con lettere rosse e nere sparse, e lettere arancioni che cadono sul fondo blu.

Le tavole stampate dovevano restare fedeli ai colori dei suoi ritagli: era l'unica condizione posta da Matisse. Tériade scelse il pochoir, la stampa a mascherina, che permetteva di usare le gouache Linel già presenti nelle maquette. Il colorista Edmond Vairel eseguì la stampa delle immagini, mentre Draeger Frères stampò le pagine con il testo manoscritto di Matisse.

«Jazz» uscì il 30 settembre 1947 in due forme: 250 libri, con le tavole inserite tra i testi manoscritti dell'artista, e 100 cartelle contenenti soltanto le stampe. L'Art Institute of Chicago acquistò il suo esemplare della pagina del circo nel maggio 1948 dal mercante Pierre Berès, che lo aveva ricevuto dall'artista e dall'editore. La maquette originale, l'oggetto che Matisse ritagliò di persona, entrò al Centre Pompidou nel 1985 in pagamento di imposte, insieme alle maquette di «Jazz».

«Nice, Travail et Joie»: da natura morta a poster turistico

Secondo Galerie 123, che tratta poster vintage, l'ufficio turistico di Nizza chiese a Matisse di progettare un poster per promuovere la città. La Library of Congress registra il poster del 1947 come pubblicato dal Syndicat d'Initiative de Nice e dall'Union Méditerranéenne pour l'art moderne.

Per l'immagine non dipinse nulla di nuovo. Secondo Galerie 123, «Nizza, lavoro e gioia» riprende il quadro di Matisse del 1947 «Nature morte aux grenades, Vence». Il poster aggiunge all'immagine dipinta la scritta a mano «Nice, Travail & Joie». Le palme, la frutta e il piatto sono prima di tutto una natura morta; la scritta li trasforma in un invito.

Il laboratorio Mourlot stampò il poster litografico a Parigi.

Uno degli esemplari pubblicati finì in una collezione che potrebbe sorprendere: la litografia si trova nel dipartimento di architettura e design del Museum of Modern Art di New York, dono di G. E. Kidder Smith.

Come Matisse realizzò «Nu bleu II»

«Nu bleu II» appartiene ai quattro «Nudi blu» del 1952. Matisse li realizzò a Nizza, nello studio spazioso dell'Hôtel Régina, e lavorò rapidamente: «Nu bleu I», «Nu bleu II» e «Nu bleu III» nacquero uno dopo l'altro, ciascuno nel giro di poche ore. I numeri non seguono l'ordine di realizzazione delle opere.

Il numero nasconde anche quanto disegno ci fosse dietro il ritaglio. Prima della serie ci fu un periodo di frustrazione. Matisse mise da parte le forbici, disegnò più e più volte un nudo femminile seduto e solo allora tornò a ritagliare. La posa risaliva a decenni prima, alle figure sedute che aveva esplorato nella pittura e nella scultura: «Nu assis, Olga» (1910) e la seconda versione di «Vénus à la coquille» (1932).

Lidija Delektorskaja, che gli fu accanto durante la realizzazione della serie, ricordava che ogni «Nudo blu» era stato ritagliato in un giorno diverso, con un unico taglio, in dieci o quindici minuti al massimo. Il Centre Pompidou riferisce che «Nu bleu I», «Nu bleu II» e «Nu bleu III» furono realizzati ciascuno nel giro di poche ore.

Gli spazi tra le forme segnano le articolazioni del corpo e danno un senso di volume alla carta piatta, come quando una gamba piegata passa davanti alla coscia dell'altra. La figura, ritagliata da un solo foglio, ti permette di immaginare che quegli spazi si richiudano. Le forme blu ritagliate si incastrano tra loro e si stagliano su un fondo beige caldo, con bordi nettamente definiti.

«Nu bleu II» entrò al Centre Pompidou nel 1984 e oggi è conservato dal Musée national d'art moderne di Parigi. La mostra del 2014 «Henri Matisse: The Cut-Outs», organizzata congiuntamente dal MoMA e dalla Tate Modern, comprendeva «Nu bleu II».

Perché «Nu bleu III» è un'opera compiuta

«Nu bleu III», come le due opere che lo precedono nella sequenza, prese forma in poche ore nel 1952. Il foglio reca la firma e la data H MATISSE 52.

Il Centre Pompidou, che possiede l'opera, lo afferma chiaramente: nei «Nudi blu» la tecnica del ritaglio resta pienamente visibile, come forma d'arte autonoma. I bordi conservano la traccia delle forbici, le forme separate mantengono i loro spazi, e la sagoma blu intenso si legge allo stesso tempo come corpo e come pezzo di carta ritagliata.

Il museo acquistò «Nu bleu III» nel 1982, e da allora l'originale fa parte della collezione del Musée national d'art moderne di Parigi.

Tutti e quattro i «Nudi blu» furono riuniti al Grand Palais nella mostra «Matisse, 1941–1954», inaugurata il 15 giugno 2018.

In una stanza tranquilla di casa, come la camera da letto, appenderemmo la figura addormentata di «Le Rêve». Se una di queste sei opere ti ha fatto guardare con occhi diversi le pareti di casa, la nostra collezione di Henri Matisse riunisce i ritagli, la camicetta e la figura addormentata.

Lo sapevi?

Nel 1952 Matisse realizzò per il proprio piacere il fregio di 16 metri «La Piscine».
Nell'estate del 1952 Matisse e Lidija Delektorskaja andarono in una piscina pubblica di Cannes semplicemente per osservare i tuffatori.
Lo scultore Constantin Brancusi era famoso per presentarsi alle feste di Montparnasse vestito da contadino romeno.
All'Hôtel Régina, una striscia ampia di carta bianca era fissata tutt'intorno alle pareti della sala da pranzo, rivestite di tela di juta, appena sopra l'altezza della testa di Matisse.
«La Blouse roumaine» compare nei documenti con altri titoli, tra cui «Jeune fille: la blouse roumaine», «La blouse paysanne» e «La Blouse paysanne roumaine, fond rouge».
Matthew Gale, responsabile degli allestimenti della Tate, ha osservato che nel clima artistico dell'epoca i ritagli di Matisse erano considerati infantili.
Matisse realizzò anche litografie intitolate «Nu bleu», basate sugli studi di figure ritagliate. Quando morì, nel 1954, era a metà della serie.

Domande sull'arte di Matisse

Qual è lo stile artistico di Henri Matisse? Matisse fu uno dei capofila dei Fauves, il gruppo di pittori parigini che liberò il colore dall'obbligo di descrivere le cose e gli permise di reggere da solo l'immagine. Colore, linea e motivi bidimensionali lo accompagnarono ancora per molti anni, fino alla fine della sua vita. I ritagli sono una manifestazione tarda della stessa spinta: la gouache forniva il colore, e le forbici la linea.

Come realizzava Henri Matisse i suoi ritagli? Prima gli assistenti dipingevano a gouache i fogli di carta, poi Matisse tagliava direttamente nel colore con le forbici.

Qual era la malattia di Henri Matisse? A Matisse diagnosticarono un tumore allo stomaco nel 1941. Seguì un intervento chirurgico. In seguito creò opere ritagliando a mano fogli di carta dipinti, la tecnica alla base dei «Nudi blu».

Perché «La Blouse roumaine» è così famosa? In parte perché il suo processo di realizzazione fu reso pubblico. Le fotografie delle tredici fasi erano appese accanto alla tela finita nella prima mostra parigina della Galerie Maeght, nel 1945. Il film di François Campaux permise poi di vedere il quadro semplificarsi. In seguito se ne appropriò la moda: Yves Saint Laurent le dedicò una collezione del 1981. Lo stesso Matisse tornò più volte sul soggetto, dipingendone dieci versioni tra il 1939 e il 1945.

Dove posso vedere i «Nudi blu» di Matisse? «Nu bleu II» e «Nu bleu III» sono entrambi a Parigi, nella collezione del Musée national d'art moderne al Centre Pompidou. I quattro furono riuniti al Grand Palais per la mostra «Matisse, 1941–1954», e alla Tate Modern la mostra sui ritagli affiancò il maggior numero di «Nudi blu» mai esposti insieme.

Come realizziamo i nostri poster di Matisse? Restauriamo a mano ogni opera, mantenendo il disegno e i colori originali. La stampiamo nel nostro laboratorio di Barcellona su carta fine art opaca da 230 g/m², con inchiostri a pigmenti di qualità archivistica. Manteniamo prezzi accessibili perché crediamo che l'arte non debba essere riservata a chi guadagna molto. I dettagli su ordini, cornici e consegna si trovano nelle FAQ.

L'autore

Moryarty è nata nel 2015 e ha un catalogo di oltre 2.000 poster vintage, provenienti da musei, biblioteche e collezioni. Restauriamo a mano ogni opera senza modificarne i colori e la stampiamo nel nostro laboratorio di Barcellona su carta fine art opaca. Questa cura si nota più nelle campiture piatte e nei bordi ritagliati di Matisse che nella maggior parte degli altri poster. Scriviamo delle opere perché conoscerne la storia è metà del piacere di appenderle.

Fonti

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