Per gran parte del Novecento, le opere di Hilma af Klint rimasero chiuse nelle casse. La pittrice svedese realizzò alcuni dei quadri astratti più ambiziosi del primo Novecento e chiese alla famiglia di non renderli pubblici per vent'anni dopo la sua morte, convinta che la sua epoca non fosse pronta ad accoglierli. Definì la sua opera fondamentale il grande progetto da cui erano nati quei dipinti: «Dipinti per il tempio», un ciclo di 193 quadri e disegni realizzato tra il 1906 e il 1915 per un tempio mai costruito.

Qui presentiamo sette di quelle opere. Cinque appartengono a «I dieci più grandi», la serie del 1907 in cui dipinse le quattro età della vita umana attraverso enormi forme fluttuanti. Due risalgono al 1915, l'anno in cui concluse il progetto spirituale con il gruppo «La colomba» e le tre «Pale d'altare». Insieme mostrano che cosa intendesse per astrazione e perché fosse certa che appartenesse a un futuro che non avrebbe vissuto.

Perché «I dieci più grandi, infanzia, n. 2» rimase lontano dal pubblico per decenni

Hilma af Klint dipinse «I dieci più grandi, infanzia, n. 2» nel 1907: il quadro apre il racconto di una vita. La serie procede a coppie lungo quattro età: si apre con l'infanzia, prosegue con la giovinezza e l'età adulta e si chiude con la vecchiaia. Il n. 2 è il secondo quadro dedicato all'infanzia, pieno di grandi forme arrotondate che fluttuano e si intrecciano in blu, rosa, arancione, giallo e bianco, con piccoli segni simili a glifi sparsi tra le curve. Il titolo che gli diede era «De tio största, nr 2, Barnaåldern, grupp IV».

Quando lo dipinse, af Klint aveva tra i quaranta e i cinquant'anni e una solida formazione alle spalle. Aveva studiato alla Reale Accademia delle Belle Arti negli anni Ottanta dell'Ottocento e si guadagnava da vivere a Stoccolma dipingendo paesaggi e ritratti.

Morì nel 1944 e suo nipote Erik af Klint ereditò più di 1.000 opere e poco più di 125 quaderni.

I quadri dell'infanzia rimasero sconosciuti per sua espressa volontà. Aveva lasciato al nipote la disposizione di non rendere pubbliche le opere astratte prima che fossero passati vent'anni dalla sua morte, perché riteneva che la sua epoca non fosse pronta ad accoglierle.

Nel 1970 l'intera collezione fu proposta in dono al Moderna Museet di Stoccolma, che la rifiutò.

Il cambio di prospettiva arrivò lentamente, e tardi. Le opere passarono sotto la tutela della Fondazione Hilma af Klint e nel 2022 il Moderna Museet di Stoccolma espose l'intera serie «I dieci più grandi» per la prima volta dal 2013, compreso «Infanzia n. 2». Accanto ai grandi quadri erano appesi acquerelli e una serie completa di fotografie dei dieci dipinti, colorate a mano. Mostravano come af Klint avesse continuato a studiare il proprio lavoro ben oltre il 1907.

Come dipinse Hilma af Klint «I dieci più grandi n. 3, giovinezza» in quaranta giorni?

«I dieci più grandi n. 3» è uno dei due quadri dedicati alla giovinezza e ha una genesi singolare. Af Klint raccontò che le sue guide spirituali le avevano chiesto dieci dipinti di una bellezza paradisiaca, che offrissero al mondo uno sguardo sulle quattro fasi della vita. Il n. 3 risponde a quella richiesta con una tavolozza di arancione, giallo, blu e nero: spirali sovrapposte e forme simili a petali fluttuano su un fondo arancione luminoso, senza un unico punto focale, come se la giovinezza stessa avesse troppa energia per fermarsi.

Cominciò la serie nell'autunno del 1907 e completò tutti e dieci i quadri in quaranta giorni. Cornelia Cederberg e Gusten Andersson, due componenti del suo gruppo, la aiutarono a dipingerli.

Il lavoro si svolse a Stoccolma, al numero 5 di Hamngatan, nello studio che condivideva con Lotten Rönnqvist e Alma Arnell.

Dipinse la serie a tempera su carta, poi montata su tela. Era la tecnica delle pale d'altare rinascimentali che aveva ammirato a Firenze durante un viaggio in Italia, qualche anno prima. Le opere erano destinate a un tempio mai costruito.

Ciascun originale è alto circa 3,2 metri, e af Klint voleva che tutti e dieci fossero appesi insieme, disposti in cerchio.

L'originale è tuttora custodito dalla Fondazione Hilma af Klint a Stoccolma. Un ciclo interamente astratto del 1907 anticipò di anni la nascita dell'astrazione secondo il racconto più noto dell'arte moderna. Una riproduzione in formato poster restituisce con chiarezza il fondo arancione luminoso e le spirali fluttuanti.

In che modo le sedute spiritiche delle Cinque plasmarono «I dieci più grandi n. 7, età adulta»?

Nel 1896 af Klint fondò con altre quattro donne un gruppo chiamato Le Cinque. Tenevano sedute spiritiche, praticavano la scrittura e il disegno automatici e cercavano di entrare in contatto con esseri che chiamavano Maestri superiori. Anni prima del primo dipinto per il tempio, fu in questo gruppo che af Klint imparò come una mano potesse muoversi sul foglio e tracciare segni che nessuno aveva progettato.

Quell'esperienza emerge nel suo racconto dei dipinti successivi. Diceva che i quadri prendevano forma direttamente attraverso di lei, senza disegni preparatori e con grande forza. Nella sua visione non inventava le immagini: le riceveva.

Eseguito nel 1907 e intitolato «Grupp IV, De tio största, nr 7, Mannaåldern», «I dieci più grandi n. 7» appartiene ai quattro quadri dell'età adulta. Af Klint dipinse su grandi fogli di carta, poi montati su tela; viste le dimensioni, è molto probabile che ciascun foglio fosse steso sul pavimento dello studio mentre lavorava. Il n. 7 condivide con gli altri tre quadri dell'età adulta il fondo viola, con accenti verdi e rossi nelle forme sinuose.

Nel dipinto originale ricorrono le lettere u, w e s, insieme alla parola vestalasket, che significa asceta vestale.

Il quadro è conservato a Stoccolma dalla fondazione che tutela le sue opere. L'intera serie fu esposta al Moderna Museet Malmö dal 4 aprile 2020 all'11 aprile 2021: tutti e dieci i quadri erano appesi insieme, proprio come af Klint aveva voluto che fossero visti.

Che cosa significava l'età adulta in «I dieci più grandi n. 8», e come divenne noto il quadro?

«I dieci più grandi n. 8», dipinto nel 1907, chiude i quattro quadri dell'età adulta. La serie dedica quattro opere a questa fase, mentre l'infanzia, la giovinezza e la vecchiaia ne ricevono due ciascuna, come se la parte centrale della vita avesse bisogno di più spazio. Il n. 8 presenta le stesse lettere, i segni a voluta e le forme geometriche degli altri tre, ma con un'energia più calma: dominano i rosa tenui, ravvivati da gialli e blu.

Per af Klint, l'età adulta non era una questione di compleanni. Le interessavano lo sviluppo spirituale e mentale più della crescita fisica, perciò i quattro quadri di questa fase riguardano ciò che cambia dentro una persona, non ciò che cambia intorno a lei.

Il pubblico arrivò a conoscere e comprendere il n. 8 man mano che il suo lascito diventava accessibile. La Fondazione Hilma af Klint nacque nel 1972 per far conoscere l'enorme collezione: fu il primo passo ufficiale per rendere l'eredità privata della famiglia nota e accessibile al resto del mondo.

La vera riscoperta arrivò nel 1986, quando la mostra «Lo spirituale nell'arte: pittura astratta 1890-1985» incluse le sue opere, rimaste in gran parte sconosciute, e le inserì nella storia più ampia dell'astrazione. Quella mostra faceva parte del contesto in cui quadri come il n. 8 cominciarono a essere riconosciuti.

Nel 2018 il quadro aveva raggiunto una delle sedi più prestigiose dell'arte moderna. Il n. 8 fu esposto insieme agli altri dipinti dell'età adulta al Solomon R. Guggenheim Museum di New York, nella mostra «Hilma af Klint: dipinti per il futuro». L'originale resta presso la Fondazione Hilma af Klint di Stoccolma, che presta le opere alle mostre che le hanno rese famose.

Che cosa significa la vecchiaia in «I dieci più grandi n. 9»?

«I dieci più grandi, n. 9, vecchiaia» apre l'ultima coppia della serie. Dipinto nel 1907, segna il momento in cui le forme organiche giocose dei quadri precedenti lasciano spazio alla simmetria e alla geometria, mentre la serie approda alla vecchiaia. Il fondo rosa luminoso è pieno di spirali, forme simili a petali ed emblemi simbolici che fluttuano e si collegano tra loro, con contorni netti che rendono l'insieme sereno e composto.

Af Klint lasciò annotazioni sul significato che questa fase aveva per lei. Scrisse, in seguito, che l'immagine riguardava una divinità che aveva accolto in sé sia il principio maschile sia quello femminile. La nota descrive la vecchiaia come quell'unione: i principi maschile e femminile riuniti in un'unica divinità.

Il quadro trovò il proprio posto nella storia dell'arte attraverso una serie di riletture. «I dieci più grandi» figurava nella mostra del 2013 «Hilma af Klint, una pioniera dell'astrazione», che tornava a interrogarsi su chi avesse davvero dato inizio alla pittura astratta, e quando.

Nel 2018 la serie arrivò al Solomon R. Guggenheim Museum di New York, dove fu esposta nella mostra «Dipinti per il futuro» e occupò la prima sala. Il n. 9 resta presso la fondazione di Stoccolma che tutela le sue opere.

«La colomba n. 1» e il significato cristiano dei dipinti per il tempio

Af Klint iniziò «La colomba, n. 1» nel 1915, nella fase finale di «Dipinti per il tempio». Mentre «I dieci più grandi» si sviluppava in ampi movimenti organici, questo quadro ha una struttura rigorosa: assi simmetrici attraversano una forma circolare centrale, circondata da forme geometriche più piccole. Rosa tenui, gialli delicati, grigi smorzati e marroni terrosi creano una luminosità calma e discreta.

Questa fase tarda fu preceduta da una delusione. Nel 1908 Rudolf Steiner, il pensatore austriaco di cui studiava le opere, accolse freddamente i dipinti per il tempio. Af Klint interruppe la pittura astratta fino al 1912 e trascorse parte di quella pausa prendendosi cura della madre cieca.

Quando riprese il progetto, i simboli cristiani erano diventati più marcati. Il gruppo «La colomba» appartiene a questo cambio di accento: nelle opere del gruppo la colomba rappresenta lo Spirito Santo, mentre la lotta tra bene e male prende forma nello scontro tra san Giorgio e il drago. Af Klint scrisse nei suoi appunti che san Giorgio era uno dei suoi alter ego.

«La colomba, n. 1» fu esposta nella sala 203 del Guggenheim Museum Bilbao. Il quadro appartiene alla fondazione di Stoccolma che custodisce il lascito di af Klint e lo presta per le mostre.

Il tempio a spirale che avrebbe ospitato la «Pala d'altare n. 1»

Af Klint completò «Pala d'altare n. 1» nel 1915, come parte del gruppo di tre opere che conclude «Dipinti per il tempio». Il titolo che le diede, «Grupp X, nr 1, Altarbild», la identifica esplicitamente come un'immagine d'altare. Per questi tre quadri usò la foglia metallica, materiale tradizionale dell'arte sacra. Nel n. 1 un cerchio radiante occupa il centro di una composizione verticale: il giallo luminoso risalta sul fondo nero profondo, con accenti di blu, rosso e viola.

Il progetto nacque in un preciso momento. Secondo il racconto di af Klint, durante una seduta spiritica del 1906 una guida di nome Amaliel le commissionò il lavoro. Accettò subito e lo definì la grande opera che avrebbe dovuto compiere nella sua vita. Seguirono otto anni di pittura per un tempio mai costruito.

Tra il 1930 e il 1931 af Klint tenne un quaderno in cui descrisse il tempio nei dettagli: un edificio circolare a più piani, dove i visitatori avrebbero seguito un percorso a spirale fino a una sala con un altare, in cima all'edificio. Quella sala avrebbe ospitato le tre «Pale d'altare». Non lo costruì mai, ma lo progettò con la precisione di un architetto.

I tre quadri rimandano a una visione teosofica dell'evoluzione, che sale dal fisico allo spirituale e scende dal divino al materiale. Dei tre, il n. 1 rappresenta l'ascesa; il n. 2, con il suo triangolo scuro rovesciato, porta invece il divino verso la terra.

Da ottobre 2018 ad aprile 2019 il quadro fu esposto al Solomon R. Guggenheim Museum di New York, nella mostra «Dipinti per il futuro». La rampa a spirale del museo offrì al n. 1 e agli altri due quadri un ambiente insolitamente simile al tempio mai costruito che af Klint aveva immaginato quasi novant'anni prima.

Più di 600.000 persone visitarono la mostra, rendendola la più visitata nella storia del Solomon R. Guggenheim Museum. Il quadro appartiene alla fondazione di Stoccolma, che lo presta a mostre in tutto il mondo.

Le sette opere presentate qui esprimono un'unica convinzione: un quadro può trasmettere un messaggio attraverso il tempo, da una pittrice a un pubblico che non ha mai conosciuto. Af Klint credeva che il suo secolo non fosse pronto per i suoi dipinti. L'infanzia apre la vita, la colomba introduce la lotta tra bene e male e la pala d'altare indica la via verso l'alto da un tempio mai costruito. Sulle pareti dei musei e in un poster di Hilma af Klint in casa tua, ciò che resta è la sensazione che fin dall'inizio stesse scrivendo a noi.

Lo sapevi?

• Dipinse i primi 111 quadri per il tempio tra novembre 1906 e aprile 1908, circa uno ogni cinque giorni.
• Dopo aver completato le tre «Pale d'altare», aggiunse un'altra piccola opera, «Castità umana, dipinto conclusivo», anche se considerava le pale la conclusione del progetto.
• Nacque nel palazzo di Karlberg a Stoccolma il 26 ottobre 1862.
• Morì nel 1944, lo stesso anno di Vasilij Vasil'evič Kandinskij, Mondrian ed Edvard Munch.
• Conosceva la «Teoria dei colori» di Goethe, pubblicata nel 1810.
• Alcune opere del gruppo «La colomba» presentano pianeti con anelli, simboli astrologici e numeri, con accenti metallici che ricordano le icone medievali.
• La serie «I dieci più grandi» fu dipinta a tempera su grandi fogli di carta, poi montati su tela.

Domande sui quadri di Hilma af Klint

Che cosa significa l'arte di Hilma af Klint? I quadri astratti sono una testimonianza di messaggi spirituali. Credeva che forme, lettere e colori le arrivassero dalle guide, anziché dalla propria immaginazione, e affiancò ai dipinti più di 125 quaderni. Le idee mistiche si ispiravano agli insegnamenti spiritisti di Helena Blavatsky e di Rudolf Steiner. Un singolo quadro può essere al tempo stesso una composizione cromatica e un messaggio.

Qual è lo stile pittorico di Hilma af Klint? Con il passare degli anni, i dipinti per il tempio passano da grandi forme organiche, ricche di spirali e petali, a una geometria più rigorosa e schematica. Lettere ed emblemi simbolici ricorrono nelle opere, e i quadri più tardi sembrano a volte diagrammi di una religione tutta sua. Aveva già sviluppato questo linguaggio simbolico nel 1906, prima della nascita dell'arte astratta così come di solito la si racconta.

Quali sono i quadri più famosi di Hilma af Klint? «I dieci più grandi», del 1907, è la serie che la maggior parte delle persone conosce per prima: dieci quadri alti più di tre metri che attraversano l'infanzia, la giovinezza, l'età adulta e la vecchiaia. Le tre «Pale d'altare» del 1915 riassumono l'intero progetto per il tempio. «La colomba» è uno dei gruppi dell'ultima fase, iniziati nel 1915. Al Solomon R. Guggenheim Museum di New York, nel 2018, «I dieci più grandi» occupava la prima sala della mostra «Dipinti per il futuro».

Che cos'erano i «Dipinti per il tempio»? Un ciclo di 193 quadri e disegni, realizzato tra il 1906 e il 1915, che af Klint credeva di aver ricevuto l'incarico di dipingere per un tempio mai costruito. Raccontò che la guida spirituale Amaliel glielo aveva chiesto il primo giorno del 1906, quando aveva 43 anni, e che aveva accettato subito.

Che cosa significa la colomba nei quadri di Hilma af Klint? Nel gruppo «La colomba» del 1915, la colomba rappresenta lo Spirito Santo, mentre la lotta tra bene e male prende forma nello scontro tra san Giorgio e il drago. In due quadri del gruppo, la colomba appare con ali sfumate di rosso. Grandi mani che si muovono tra cielo e terra sorreggono la colomba.

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L'autore

Moryarty recupera e restaura poster vintage dal 2015. Cerchiamo nei musei, nelle biblioteche e nelle collezioni private immagini che meritano di essere conservate, le restauriamo una per una a mano e le stampiamo nel nostro laboratorio di Barcellona su carta fine art di qualità museale. Con un'artista come af Klint, le cui lettere e i cui colori dovevano trasmettere un significato, la fedeltà della riproduzione all'originale è il senso stesso del nostro lavoro.

Fonti

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• Britannica: Hilma af Klint
• Moderna Museet: Hilma af Klint, «I dieci più grandi»
• Moderna Museet: biografia di Hilma af Klint
• Art Blart: «I dieci più grandi, n. 2, infanzia»
• Guida alla collezione del Moderna Museet: Hilma af Klint
• Guggenheim Bilbao: «I dieci più grandi» (1907)
• Tate: «I dieci più grandi, gruppo IV n. 3, giovinezza»
• Art Blart: «I dieci più grandi n. 7, età adulta»
• Moderna Museet: «Età adulta, nn. 5-8»
• Tate: «I dieci più grandi, gruppo IV n. 8, età adulta»
• Hygge by Scandinavia: «I dieci più grandi», significato e simboli
• Frieze: «Hilma af Klint, una pioniera dell'astrazione»
• Guggenheim Bilbao: «La colomba» (1915)
• Solomon R. Guggenheim Museum: ispirazione e influenza
• Moderna Museet: temi e opere principali
• Guggenheim Bilbao: «Pale d'altare» e «Dipinto conclusivo»
• 20x200: «Pala d'altare n. 1, gruppo X»
• Art Blart: «Dipinti per il futuro» al Solomon R. Guggenheim Museum
• Artforum: Hilma af Klint
• Dream Idea Machine: Hilma af Klint, artista, ricercatrice, medium
• Audioguida del Solomon R. Guggenheim Museum: «I dieci più grandi n. 7»
• Time Out: Hilma af Klint
• Airmail: Hilma af Klint
• museums.co: Hilma af Klint