Il significato dell'arte di Gustav Klimt dipende dall'opera che osservi e da ciò che accadde dopo la sua creazione. Klimt, pittore viennese nato nel 1862 e morto nel 1918, fu tra i fondatori della Secessione viennese, il gruppo che nel 1897 si staccò dall'ambiente artistico conservatore della città. Nel corso della sua carriera passò dai dipinti murali nei grandi edifici pubblici ai ritratti per committenti privati, e i soggetti cambiarono insieme agli incarichi. Le sette opere al centro di questo articolo spaziano dai temi biblici a una commissione universitaria, dai ritratti privati alle decorazioni architettoniche.

Il significato di un'opera comincia dal motivo per cui è nata e dalla persona a cui era destinata. Prosegue con le reazioni dei primi spettatori e con ciò che le generazioni successive hanno scelto di vedervi, poi cambia ancora con i passaggi di proprietà e con le vicende che l'hanno segnata. Queste sette storie tornano sugli stessi temi: amore, salute, identità e libertà artistica, ma anche le pagine più buie del Novecento, tra confische, distruzioni durante la guerra e restituzioni.

Perché il quadro con Igea di Klimt indignò i professori viennesi e bruciò nel 1945?

La dea della salute di Klimt non è un quadro a sé. È la figura nella parte inferiore di «Medicina», uno dei tre dipinti delle facoltà che Klimt ricevette l'incarico di realizzare per il soffitto dell'aula magna dell'Università di Vienna. Il ministero della cultura e dell'istruzione gli aveva richiesto «Filosofia», «Giurisprudenza» e «Medicina» per decorare la sala del nuovo edificio di Heinrich von Ferstel sulla Ringstrasse, inaugurato nel 1884. Mentre le decorazioni pubbliche celebravano di solito il progresso e i suoi risultati, Klimt scelse di mostrare la vita umana come un destino segnato dalla malattia e dalla morte.

Igea appare come una figura che tiene insieme vita e morte, una rottura radicale con il modo consueto di dipingere la dea della salute. «Medicina» fu esposta per la prima volta alla decima mostra della Secessione, nel 1901. La reazione fu ancora più furiosa di quella suscitata da «Filosofia»: una rivista medica attaccò il quadro e un gruppo di docenti universitari presentò una protesta formale.

Nelle sue memorie Berta Zuckerkandl ricordò che il rettore lesse una petizione secondo cui accettare i dipinti per il soffitto sarebbe stato un insulto all'arte. Un preside di facoltà dichiarò che Klimt aveva osato toccare ciò che Raffaello aveva concepito per l'eternità. L'anatomista Emil Zuckerkandl si schierò dalla parte opposta: fu uno dei pochi professori a firmare a favore del mantenimento dei quadri. La disputa si concluse nel 1905, quando Klimt annullò il contratto con il ministero e riacquistò le tre opere. Da quel momento non accettò più incarichi pubblici e si rivolse ai clienti privati.

Dopo il riacquisto, i tre dipinti passarono a collezionisti privati. Cambiarono proprietario più volte e nel 1938 i nazisti li sequestrarono ai loro proprietari ebrei. Le tre tele furono trasferite in un deposito di opere d'arte allestito durante la guerra nel castello di Immendorf, in Bassa Austria. Lì, l'8 maggio 1945, un incendio le distrusse. Si ritiene che siano state le SS in ritirata ad appiccare il fuoco al castello, ma questa ricostruzione non è mai stata confermata in modo definitivo. Oggi nessun museo conserva l'originale di «Medicina».

Resta una documentazione scarna ma preziosa. L'unica riproduzione a colori del dettaglio di Igea realizzata prima dell'incendio è la tavola 10 del libro di Max Eisler «Klimt: Eine Nachlese», pubblicato a Vienna nel 1931. L'Israel Museum di Gerusalemme, l'Albertina e il Wien Museum conservano importanti studi preparatori per «Medicina». Insieme alle fotografie, permettono di studiare l'opera anche se il quadro non esiste più.

Il 13 novembre 2024 si è aperto un nuovo capitolo: sulla facciata di un edificio di ricerca dell'Università di Medicina di Vienna, nel campus AKH Wien, è stata presentata una ricostruzione a colori di «Medicina», di circa 12 per 8 metri, realizzata con l'intelligenza artificiale. Google Arts & Culture l'ha creata insieme al Belvedere di Vienna. La ricostruzione del 2024 permette a visitatori e personale di rivedere «Medicina» per intero e a colori, su un edificio universitario, con Igea alla base. Prima di allora, la composizione completa era nota soltanto in bianco e nero.

«Giuditta» e il passaggio dall'eroismo biblico al potere sessuale

La «Giuditta» di Klimt in foglia d'oro trasforma il racconto biblico di una città salvata da una decapitazione in qualcosa di più vicino a una lotta tra i sessi. Il Belvedere di Vienna, che possiede il quadro, interpreta oggi Giuditta come un'icona pericolosa e seducente della femminilità. Il museo sottolinea che il dipinto non lascia spazio all'aggressore maschile. Giuditta tiene la testa quasi con tenerezza, come se la stesse spingendo fuori dal quadro.

Il dipinto è realizzato a olio e foglia d'oro su tela e reca la firma in basso a sinistra. Sulla parte superiore della cornice compare il titolo «JUDITH UND HOLOFERNES». Un catalogo della Secessione viennese del 1901 elenca l'opera nella sala III, al numero 20, come «Judith und Holofernes», con l'indicazione che si trattava di proprietà privata. Il nome «Giuditta I» serve a distinguerla dal secondo quadro di Giuditta che Klimt dipinse nel 1909.

La storia documentata dei proprietari comincia a Vienna. Nel 1901 il quadro apparteneva ad Anton Loew. Entro il 1907 era passato a Sophie Loew-Unger, sempre a Vienna, e nel 1920 si trovava già a Ginevra, presso Berthe Hodler, vedova del pittore Ferdinand Hodler. Nel 1954 il Belvedere lo acquistò da lei e lo riportò a Vienna.

Alcuni autori hanno riconosciuto nel volto di Giuditta i lineamenti di Adele Bloch-Bauer, notando la somiglianza tra il collare che indossa e quello del successivo ritratto di Adele dipinto da Klimt. Nessun documento, però, conferma questa identificazione. Oggi il quadro è esposto al Belvedere superiore.

Come il «Fregio di Beethoven» sopravvisse alla mostra temporanea per cui nacque

Il «Fregio di Beethoven» nacque per la quattordicesima mostra della Secessione viennese, un omaggio al compositore; la mostra si tenne dal 15 aprile al 27 giugno 1902. Ventuno artisti lavorarono all'esposizione sotto la direzione di Josef Hoffmann, con l'obiettivo di unire architettura, pittura, scultura e musica. La statua di Beethoven di Max Klinger si trovava nella sala principale. Il fregio di Klimt correva lungo la galleria laterale sinistra, la prima in cui entravano i visitatori, e un'apertura nella parete permetteva di vedere la statua. All'epoca Klimt era presidente della Secessione.

Il fregio segue l'interpretazione della «Nona sinfonia» di Beethoven pubblicata da Richard Wagner nel 1846. La sequenza si conclude con un coro di angeli e una coppia di amanti abbracciati, che rappresentano l'«Inno alla gioia» di Schiller e la felicità raggiunta attraverso l'amore.

Un critico scrisse che il fregio poteva essere adatto a una caverna per orge pagane, ma non a sale espositive in cui si invitavano donne e ragazze rispettabili. Il pubblico non fu d'accordo. La mostra attirò quasi 60.000 visitatori e divenne uno dei maggiori successi di pubblico della Secessione. All'anteprima Gustav Mahler fece disporre sei trombonisti sulle scale per eseguire un suo arrangiamento di un brano dell'«Inno alla gioia» musicato da Beethoven.

Il fregio doveva essere temporaneo, e i dipinti murali degli altri artisti furono distrutti dopo la chiusura della mostra. La Secessione aveva già programmato una grande retrospettiva di Klimt per l'anno successivo. Carl Reininghaus, mecenate di Klimt, acquistò il fregio e lo fece staccare dalla parete: è solo grazie a questo intervento che è sopravvissuto. Non trovò un luogo adatto per esporlo e, quando August Lederer lo acquistò nel 1915, neppure lui ci riuscì.

Durante il nazismo il fregio fu espropriato. Dopo la seconda guerra mondiale fu restituito a Erich Lederer, a Ginevra, ma gli venne negato il permesso di esportazione. Dopo il 1961 l'opera fu custodita nel Belvedere inferiore. Nel 1973 Lederer la vendette alla Repubblica d'Austria per circa 750.000 dollari statunitensi, anche se alcune fonti indicano il 1972.

L'Ufficio federale per la tutela dei monumenti restaurò il fregio sotto la direzione di Manfred Koller, concludendo i lavori nel 1984. Una copia a grandezza naturale realizzata durante il restauro fu esposta alla Biennale di Venezia di quell'anno. Nel 1985 il fregio restaurato fu presentato al Künstlerhaus, in una ricostruzione della galleria laterale di Hoffmann. Dal 1986 è visibile al pubblico in una sala dedicata, nel seminterrato della Secessione. Gli eredi Lederer ne chiesero la restituzione nel 2013, ma nel 2015 una commissione statale respinse la richiesta.

Chi era Adele Bloch-Bauer e come fu recuperato il suo ritratto?

Nell'estate del 1903 il banchiere Ferdinand Bloch-Bauer chiese a Klimt di ritrarre sua moglie Adele. Secondo una ricostruzione, il quadro doveva essere un regalo per l'anniversario di nozze dei genitori di lei, che cadeva in ottobre. Klimt vi lavorò per anni. Il «Ritratto di Adele Bloch-Bauer I», realizzato a olio, oro e argento su tela, firmato e datato 1907 in basso a destra, è tra i suoi quadri di maggiore forza visiva. Adele siede eretta su un fondo d'oro, con le mani delicatamente intrecciate. Il Jewish Women's Archive descrive il risultato come icona moderna di una gran dama.

Il quadro comparve in pubblico solo all'inizio del 1907, prima a Mannheim, lo stesso anno in cui fu terminato, e poi alla Kunstschau di Vienna del 1908. Nel 1938 i nazisti lo sequestrarono dalla casa dei Bloch-Bauer insieme ad altri quattro dipinti di Klimt. Nel 1941 l'avvocato nominato dai nazisti per amministrare il patrimonio di Ferdinand consegnò il ritratto alla Galerie Belvedere di Vienna, dichiarando di rispettare le volontà espresse da Adele nel testamento.

Per decenni il dipinto rimase esposto a Vienna con il titolo «Donna in oro», che nascondeva l'identità della donna ritratta. Il nuovo titolo portò a compimento ciò che la confisca aveva iniziato, cancellando il nome di Adele Bloch-Bauer dalla didascalia: il ritratto nato per renderle omaggio non lo riportava più. Nel 1998 il giornalista Hubertus Czernin accertò che il Belvedere conservava diverse opere sottratte a proprietari ebrei e si era rifiutato di restituirle. Il ritratto era tra queste.

Maria Altmann, nipote di Ferdinand, incaricò l'avvocato E. Randol Schoenberg di ottenere dal Belvedere la restituzione di cinque opere di Klimt. La vicenda durò sette anni e arrivò anche davanti alla Corte suprema degli Stati Uniti. Schoenberg accettò di ricorrere a un arbitrato in Austria, anche perché Altmann aveva 85 anni. La prima reazione di Altmann fu dargli del pazzo. Nel 2005 un collegio arbitrale austriaco decise che i dipinti dovevano essere restituiti agli eredi.

Nel 2006 Altmann vendette il ritratto a Ronald Lauder per 135 milioni di dollari statunitensi, all'epoca un prezzo record per un quadro. Lauder lo acquistò per la Neue Galerie New York, dove è esposto in permanenza dal 2006, nel rispetto dei desideri della famiglia. Schoenberg spiegò che Altmann lo aveva venduto in parte per raccontare la verità su ciò che era accaduto alla sua famiglia, in parte perché gli eredi, che ne erano comproprietari, non potevano permettersi di assicurarlo in un'abitazione privata. Il nome di Adele Bloch-Bauer, che il vecchio titolo aveva cancellato, fa ora parte del titolo con cui il quadro è conosciuto.

«Il bacio» fu acquistato prima che Klimt lo finisse

La Kunstschau Wien del 1908, organizzata in tempi record da Klimt, Josef Hoffmann e dai loro colleghi, aprì al pubblico il 1° giugno. Klimt non era riuscito a terminare il suo celebre abbraccio in tempo per l'inaugurazione. Il quadro fu esposto con il titolo originale «Liebespaar». Era il pezzo centrale della sala dedicata a Klimt e la principale attrazione dell'intera mostra. Il ministero austriaco dell'istruzione lo acquistò per la Galleria moderna mentre l'esposizione era ancora in corso.

La galleria aveva aperto appena cinque anni prima e oggi si chiama Belvedere. Al momento dell'acquisto, per 25.000 corone, il quadro era ancora incompiuto. Klimt lo terminò e lo consegnò al ministero nel 1909, ricevendo il pagamento concordato. Il Belvedere ritiene probabile che Klimt abbia apportato ulteriori modifiche dopo la Kunstschau, fino al 1909. Una fotografia dell'epoca documenta la prima versione del dipinto.

Nell'autunno del 1909 un catalogo della Galleria moderna citò per la prima volta l'opera come «Il bacio», il titolo con cui oggi è famosa in tutto il mondo.

I materiali spiegano gran parte della sua forza. Le vesti degli amanti sono decorate con foglia d'oro, mentre lo sfondo è disseminato di scaglie d'oro, d'argento e persino di platino. Il quadro risale all'apice del periodo aureo di Klimt, quando il pittore sviluppò una tecnica che univa foglia d'oro, colori a olio e colori al bronzo. Per l'uso dell'oro si ispirò ai mosaici bizantini e alla pittura di icone. Lo stile delle icone a fondo oro è di solito riservato ai soggetti sacri. Qui Klimt lo applicò all'amore profano, e l'opera viene spesso definita un'icona monumentale.

Molti ritengono che la coppia sia formata da Klimt e dalla sua compagna Emilie Flöge, ritratti forse sull'Attersee, dove trascorrevano le estati. Il Belvedere osserva che nessuna fonte biografica indica l'intenzione di Klimt di ritrarre se stesso e lei: l'identificazione resta quindi una congettura romantica. È certo, invece, il percorso del quadro. Dall'acquisto è sempre rimasto nella collezione del Belvedere e oggi è esposto al Belvedere superiore di Vienna, come opera di punta della collezione permanente.

«L'abbraccio» e la nascita della sala da pranzo Stoclet

Il finanziere belga Adolphe Stoclet e sua moglie Suzanne incaricarono Josef Hoffmann e la Wiener Werkstätte di progettare, decorare e arredare la loro residenza di Bruxelles, con giardini di impianto geometrico. Il progetto si sviluppò dal 1905 al 1911. Klimt fu chiamato a disegnare il fregio a mosaico per la sala da pranzo. Il suo disegno degli amanti abbracciati è uno dei nove cartoni, cioè disegni preparatori a grandezza naturale, che realizzò per quel fregio, soprattutto tra il 1908 e il 1911.

«L'abbraccio», chiamato anche «Gli amanti», è la scena conclusiva del fregio e fa da contrappunto a «L'attesa», sul lato opposto. I temi dell'attesa e del compimento erano presenti nei disegni di Klimt fin dal 1904 o 1905, anni prima che la commissione fosse portata a termine. Le due scene si fronteggiano nella sala da pranzo.

Klimt realizzò il disegno a Vienna e a Kammerl am Attersee, usando gessetto, matita e gouache, con bronzo, argento, oro e platino. La Wiener Mosaik-Werkstätte di Leopold Forstner eseguì il fregio a mosaico. I disegni preparatori indicano l'uso di smalto, inserti d'oro e vetro colorato.

Il MAK, il Museum of Applied Arts di Vienna, che conserva il disegno originale, indica che si può ipotizzare che gli amanti abbracciati siano Gustav Klimt ed Emilie Flöge. Resta una proposta interpretativa, non un ritratto biografico accertato. L'abbraccio finale richiama gli amanti che concludono il «Fregio di Beethoven», e il disegno è molto vicino al «Bacio» nello stile.

La residenza Stoclet è ancora di proprietà privata della famiglia e non è aperta al pubblico. Il progetto è quindi visibile nei cartoni conservati a Vienna. Nel 2012, per il 150° anniversario della nascita di Klimt, il MAK tornò a esporre i nove cartoni superstiti dopo diversi anni di restauro. La mostra, intitolata «Attesa e compimento», si tenne dal 21 marzo al 15 luglio.

Chi era Mäda Primavesi e come arrivò a New York il suo ritratto?

Otto Primavesi, banchiere e industriale di una delle famiglie più ricche della Moravia, e sua moglie Eugenia sostenevano l'arte d'avanguardia viennese. Tra il 1912 e il 1914 commissionarono a Klimt il ritratto della figlia Mäda e quello di Eugenia. Mäda aveva nove anni quando Klimt cominciò a lavorare al suo ritratto.

Secondo il racconto della stessa Mäda, lei e sua madre si recavano regolarmente a Vienna per le sedute di posa. Klimt realizzò numerosi schizzi, provando pose, abiti e motivi per lo sfondo prima di scegliere la versione definitiva. Nell'estate del 1913 rilasciò alla famiglia una ricevuta per un acconto di 15.000 corone sui due ritratti, quello di Mäda e quello di sua madre.

Nel quadro finito Mäda indossa un abito bianco con decorazioni delicate, realizzato su suggerimento di Klimt dalla sua compagna, la stilista Emilie Flöge. La famiglia sosteneva anche la Wiener Werkstätte: Otto Primavesi contribuì a mantenerla in attività con il suo sostegno economico dopo l'uscita del primo finanziatore, Fritz Waerndorfer. Negli anni Dieci i Primavesi strinsero un rapporto di amicizia con Klimt e lo invitavano alle feste di Natale e Capodanno nella loro casa di campagna a Winkelsdorf, progettata da Josef Hoffmann.

Il Metropolitan Museum of Art osserva che la posa e l'espressione di Mäda mostrano una sicurezza notevole per una bambina di nove anni. Questa disinvoltura corrisponde al modo in cui lei stessa si descrisse più tardi: testarda e maschiaccio. L'ostinazione che ricordava di sé suggerisce che la sicurezza del ritratto appartenesse al suo carattere, e non fosse soltanto un segno della ricchezza familiare.

Otto Primavesi possedette il quadro dal 1913 fino alla sua morte, nel 1926; in seguito passò alla vedova Eugenia. La famiglia dovette vendere diversi dipinti della propria collezione di Klimt, probabilmente perché la Wiener Werkstätte non era redditizia e la loro banca era fallita. Nel 1928 il ritratto passò, tramite Hugo Bernatzik, alla Neue Galerie di Vienna, che lo vendette a Jenny Pulitzer Steiner.

I nazisti sequestrarono il ritratto a Jenny Pulitzer Steiner a Vienna nel 1938, e nel 1951 le fu restituito. Nel 1964 entrò al Metropolitan Museum of Art di New York grazie a una donazione di André e Clara Mertens, in memoria della madre di Clara, la precedente proprietaria. L'originale è esposto nella sala 800 del Met.

Riguarda le sette opere e scegli la storia che vorresti avere ogni giorno sulla parete, non solo l'oro che hai riconosciuto al primo sguardo.

Lo sapevi?

• Klimt iniziò la carriera insieme al fratello Ernst e all'amico Franz Matsch, in un gruppo chiamato Compagnia degli artisti, dipingendo decorazioni murali nei grandi edifici pubblici.
• Il «Fregio di Beethoven» è considerato la prima opera del periodo aureo di Klimt. Unisce pittura e oro con stucco dorato, bottoni di madreperla, frammenti di specchio e pietre semipreziose, applicati su uno strato di malta sopra una stuoia di canne.
• Secondo la storica dell'arte Alessandra Comini, nel 1902 i visitatori potevano riconoscere Gustav Mahler nel cavaliere dall'armatura dorata del fregio.
• «Filosofia» di Klimt, uno dei tre dipinti universitari, vinse una medaglia d'oro all'Esposizione universale di Parigi, ma in Austria fu attaccata da molti critici.
• Negli anni Novanta dell'Ottocento Klimt realizzò centinaia di schizzi e studi preparatori per i tre dipinti dell'Università di Vienna.
• Eduard Pernkopf, rettore nazista e anatomista, sostenne il ritorno dei dipinti delle facoltà all'università prima che venissero trasferiti al castello di Immendorf.
• Una recensione pubblicata da un giornale viennese il 9 gennaio 1916 descriveva il ritratto di una bambina di circa dieci anni con un abito bianco. La banca dati su Klimt lo identifica con il ritratto di Mäda Primavesi.

Le risposte alle domande su Gustav Klimt

Perché il quadro «Medicina» di Klimt fu distrutto? Nel 1938 il dipinto, con Igea alla base, fu sequestrato ai suoi proprietari ebrei insieme alle altre due opere universitarie. Durante la guerra i tre quadri furono esposti in una mostra a Vienna e poi messi in deposito. In seguito furono trasferiti al castello di Immendorf, in Bassa Austria, dove un incendio li distrusse l'8 maggio 1945.

Quali scene mitologiche dipinse Klimt? «Giuditta e la testa di Oloferne» e la figura di Igea derivano da fonti bibliche e classiche. Klimt si rivolse anche alla mitologia greca per opere come la sua «Danae», una figura distesa avvolta in un vortice di drappeggi. Puoi appendere una stampa di quel quadro alla tua parete.

Quali sono le opere più sensuali o erotiche di Klimt? «Il bacio» e «L'abbraccio» trattano l'amore con tenerezza, ma la carica erotica di Klimt emerge più direttamente nei nudi. «Serpenti d'acqua II», con le figure femminili intrecciate e i capelli fluenti, appartiene a questo filone. Altre stampe vintage di questo genere sono raccolte nella nostra collezione Erotico.

Quanto valgono i quadri di Klimt? I prezzi variano molto da un'opera all'altra. Il «Ritratto di Adele Bloch-Bauer I» fu venduto nel 2006 per 135 milioni di dollari statunitensi, allora un prezzo record per un quadro. L'acquirente, Ronald Lauder, si limitò a confermare pubblicamente di aver pagato più del precedente record di 104,2 milioni di dollari statunitensi, stabilito da «Ragazzo con la pipa» di Picasso.

Klimt ritrasse Adele Bloch-Bauer più di una volta? Sì. Esiste un secondo ritratto, «Adele Bloch-Bauer II». WikiArt ne data la commissione al 1912. Klimt la dipinse anche come Pallade Atena.

Quale cornice si abbina a un poster di Klimt? Per le opere di Klimt dominate dall'oro preferiamo una cornice nera, che lo mette in risalto. La nostra cornice nera in alluminio ha una protezione in vetro acrilico. Se la ordini insieme a un poster, lo incorniciamo gratuitamente.

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L'autore

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Fonti

• Neue Galerie New York, «Ritratto di Adele Bloch-Bauer I»
• Belvedere Sammlung Online, Gustav Klimt
• Belvedere Sammlung Online, «Giuditta»
• Belvedere Sammlung Online, «Der Kuss (Liebespaar)»
• Secession, «Fregio di Beethoven»
• Google Arts & Culture, «Fregio di Beethoven»
• Google Arts & Culture (Belvedere), «Il bacio»
• Google Arts & Culture (Austrian National Library), Gustav Klimt e la Kunstschau del 1908
• Google Arts & Culture, «Adele Bloch-Bauer I»
• Google Arts & Culture (MAK), Nove cartoni: parte 8, «L'abbraccio» («Gli amanti»)
• Google Arts & Culture (Albertina), Studi di Klimt per «L'attesa» nel «Fregio Stoclet»
• Google Arts & Culture (The Met), Il ritratto di Mäda Primavesi di Klimt
• The Metropolitan Museum of Art, Gustav Klimt - «Mäda Primavesi»
• The Met Custom Prints, «Mäda Primavesi» di Gustav Klimt
• MAK, «Gustav Klimt: Attesa e compimento»
• Wikipedia, I dipinti di Klimt per il soffitto dell'Università di Vienna
• Wikipedia, «Giuditta I»
• Wikipedia, «Ritratto di Adele Bloch-Bauer I»
• Wikipedia, «Fregio Stoclet»
• Wikipedia, «Fregio di Beethoven»
• Wikipedia, Neue Galerie New York
• Jewish Women's Archive, Adele Bloch-Bauer
• Jewish Currents, Le modelle ebree di Gustav Klimt
• PMC, Gustav Klimt e la scuola viennese di medicina
• PMC, Scienza, arte, società e i dipinti di Klimt per l'Università di Vienna
• Medical University of Vienna, Gustav Klimt e la scuola viennese di medicina
• Factum Arte, «Medicina»
• Springer, Gustav Klimt e la scuola viennese di medicina
• Springer, «Gustav Klimt und die Medizin»
• Classical Music, Sesso, scandalo e la strana storia del «Fregio di Beethoven»
• Australian Chamber Orchestra, Gustav Klimt e Beethoven
• 19th-Century Art Worldwide, L'anno di Klimt a Vienna, seconda parte
• The Art Newspaper, La travagliata storia del «Fregio di Beethoven» di Gustav Klimt, saccheggiato dai nazisti
• Vienna Info, Il «Fregio di Beethoven» di Klimt
• Parkstone, Potere, processi e nazisti: la storia di «Adele Bloch-Bauer I»
• Klimt-Datenbank, Gustav Klimt all'apice della carriera
• Klimt-Datenbank, La famiglia Primavesi
• Klimt-Datenbank, Gli ultimi anni
• Web Gallery of Art, «Fregio Stoclet»: «L'abbraccio» di Klimt
• Teacher Curator, Il ritratto di Mäda Primavesi
• Wikidata, Mäda Primavesi (1903–2000)
• WikiArt, «Ritratto di Adele Bloch-Bauer I», 1907
• Artvee, «Igea»
• Secession NYARC, Scheda di catalogo di «Judith und Holofernes», 1901