Paul Klee fait partie de ces artistes dont on reconnaît les œuvres sans les avoir jamais vues en vrai : une ville tunisienne devenue mosaïque de couleurs, la nuit peuplée d’oiseaux des «Rossignols persans», le visage pareil à un masque de «Senecio». Cet article raconte l’histoire de sept de ses œuvres : une scène de combat tirée d’un opéra, une grille qui porte le nom d’un mois de printemps, puis deux œuvres tardives, dont la seconde date de sa dernière année. Derrière chacune, il y a un lieu, un titre ou un moment de sa vie.

Le parcours suit la chronologie : il commence en avril 1914, quand un voyage en Tunisie change la façon dont Klee utilise la couleur, traverse ses années d’enseignement au Bauhaus, à Weimar puis à Dessau, avant de s’achever en Suisse, où Klee revient en 1933 et travaille jusqu’à la fin de sa vie. Entre ces deux dates, sa manière ne cesse d’évoluer. D’un côté, les champs de couleur denses qu’il peint en 1919 et les blocs évoquant des fenêtres de 1917. De l’autre, les formes flottantes de 1930 et les figures légères, proches de signes, de 1938. Vous retrouverez chacune de ces sept œuvres sous forme d’impression dans notre collection Paul Klee. Nous restaurons les images à la main avant de les imprimer dans notre atelier à Barcelone.

Comment le voyage de Klee en Tunisie a-t-il donné naissance à l’aquarelle «Hammamet» ?

En avril 1914, Klee part en Tunisie avec les peintres August Macke et Louis Moilliet. Leur itinéraire passe par Tunis, Saint-Germain, Hammamet et Kairouan. La notice du Metropolitan Museum of Art précise que Klee visite Hammamet le 14 avril. C’est uniquement parce qu’il y est passé que la ville apparaît dans son œuvre. On retrouve les blocs de la ville baignés de soleil dans cette aquarelle tunisienne.

Hammamet est une ville de la côte tunisienne. Le titre rattache le tableau à un voyage, mais ne prétend pas montrer une rue précise. Klee peint l’impression que le lieu lui a laissée, sa lumière et ses couleurs, plutôt qu’une vue fidèle de la ville. L’aquarelle se construit comme une mosaïque de blocs géométriques. De fines lignes sombres maintiennent une grille souple, tandis que les rouges, les bleus et les jaunes brillent au milieu de tons plus doux, comme une ville méditerranéenne sous une lumière crue.

Deux aquarelles de Hammamet datant de 1914 sont répertoriées. Selon la notice du Met, Klee a peint «Hammamet avec sa mosquée», conservée par le musée, depuis l’extérieur des remparts. En haut, on voit la mosquée, ses deux tours et des jardins ; en bas, la vue se dissout en plans de couleur translucides. Le Met y relève l’influence de Robert Delaunay, qui avait fait de la couleur pure le sujet même du tableau. Le Kunstmuseum Basel conserve quant à lui une autre œuvre de 1914, «Motiv aus Hammamet», réalisée à l’aquarelle et au crayon sur papier et carton.

Klee a lui-même mis des mots sur ce changement. Aux portes de Kairouan, il note dans son journal que la couleur le possède. Ces premières aquarelles de Hammamet précèdent le Bauhaus et les années d’enseignement qui le rendront célèbre. Le Metropolitan Museum of Art estime que sa formation artistique s’est en quelque sorte prolongée jusqu’à ce voyage. La couleur est déjà là. La théorie n’a pas encore de nom.

Comment le titre «Rossignols persans» éclaire-t-il les oiseaux et les ornements ?

En 1917, en pleine Première Guerre mondiale, Klee crée «Rossignols persans». Il sert alors dans l’armée allemande, sans cesser de travailler. L’œuvre appartient aujourd’hui à la National Gallery of Art de Washington, qui la décrit comme une œuvre à la gouache, à l’aquarelle, à la plume et à l’encre noire sur un dessin au graphite, le tout sur papier vergé monté sur carton. Petite, à peu près de la taille d’une page de carnet, elle fourmille d’oiseaux stylisés, d’étoiles et de motifs ornementaux tracés de fines lignes noires. Des touches de bleu, de rose, de rouge et de jaune ponctuent des fonds qui rappellent le parchemin.

Le titre associe la Perse à un oiseau célèbre pour son chant. Il ne mentionne ni poème précis ni commande particulière. L’interprétation du musée mérite toutefois qu’on s’y arrête. Selon la National Gallery of Art, l’œuvre ferait très probablement allusion au poète persan du XIVe siècle Hafez, chez qui reviennent le rossignol et la rose. Klee aurait vraisemblablement découvert Hafez grâce au «West-östlicher Divan» de Goethe, qui avait fait connaître le poète aux lecteurs allemands. C’est une hypothèse du musée, et non une explication retrouvée dans les écrits de Klee. Elle éclaire pourtant mieux que toute autre la rencontre entre l’ornement persan et l’oiseau chanteur.

Dans la tradition poétique de Hafez, l’oiseau et la rose évoquent ensemble le désir et la dévotion. Ce détail change le regard porté sur les motifs : ce qui ressemble d’abord à une décoration devient un chant d’amour écrit en formes plutôt qu’en mots.

La musique accompagne Klee toute sa vie. Violoniste doué, il envisage brièvement d’en faire son métier avant de choisir la peinture. Un oiseau qui chante est peut-être ce qu’une image peut offrir de plus proche du son. Les oiseaux et les étoiles de cette impression montrent avec une rare clarté où se rencontrent ses deux arts. Vous n’avez pas besoin de connaître le contexte persan pour sentir cette rencontre. La fine ligne noire donne à la surface un rythme que l’œil suit.

La suite de l’histoire de cette œuvre est plus facile à retracer que sa source littéraire. Elle passe par les collections de Heinz Berggruen à Paris et de Walter Feilchenfeldt à Zurich, avant que Catherine Gamble Curran, de New York, l’achète en 1973. En 1990, elle en fait un don partiel à la National Gallery of Art, le reste faisant l’objet d’une promesse de don.

Que révèle «Baldgreis» sur le visage de «Senecio» ?

En 1922, dans les premières années où il enseigne au Bauhaus de Weimar, Klee peint «Senecio». Les documents ne mentionnent ni commande ni modèle, ce qui est étonnant pour une image qui ressemble tant à un portrait. Le visage tient davantage du signe que de l’observation : des rectangles orange, roses, jaunes et blancs entourent des yeux fixes et asymétriques. Vous pouvez retrouver ce visage pareil à un masque dans une impression géométrique aux tons chauds.

Certains historiens de l’art lisent l’autre titre allemand, «Baldgreis», comme une traduction littérale de «Senecio» ou comme une allusion pleine d’humour à quelqu’un qui va bientôt vieillir. En allemand, bald signifie bientôt et n’a rien à voir avec les cheveux. D’autres auteurs donnent aussi au tableau un titre anglais qui signifie «Tête d’un homme qui devient sénile». Les deux noms orientent le regard vers la vieillesse : on voit alors dans ce visage celui d’un vieil homme.

Le nom aux sonorités latines renvoie aussi à la botanique. Des historiens de l’art cités dans Wikipédia en allemand rapprochent «Senecio» du séneçon commun. Ils comparent les capitules arrondis en graines de la plante au visage circulaire et à ses plages de couleur. Un triangle et une ligne courbe au-dessus d’un œil donnent l’impression d’un sourcil levé.

Les auteurs qui étudient le tableau y voient aussi l’influence des masques africains et du théâtre de marionnettes, ainsi que celle du carré, du triangle et du cercle que Wassily Kandinsky mettait en avant au Bauhaus. L’original appartient aujourd’hui au Kunstmuseum Basel. De dimensions modestes, c’est une peinture à l’huile sur une préparation à la craie appliquée sur une gaze montée sur carton. Klee la peint à Weimar. Le musée l’achète en 1931, neuf ans plus tard, alors que l’artiste est toujours en activité.

Pourquoi la scène de combat du «Marin» est-elle une scène d’opéra ?

Klee réalise cette œuvre en 1923, toujours pendant ses années au Bauhaus de Weimar. Son titre complet, «Kampfscene aus der komisch-phantastischen Oper ‹der Seefahrer›», dit beaucoup : il annonce une scène de combat et précise qu’elle appartient à un opéra comico-fantastique intitulé «Le Marin». Le Kunstmuseum Basel conserve l’original, répertorié sous le numéro 123 du catalogue de Klee pour l’année 1923.

Avant même que le regard s’attarde sur l’image, le titre lui donne un cadre théâtral. Des formes simplifiées et rythmées suggèrent les vagues et la vie en mer, comme si la scène avait été notée sur une partition plutôt que peinte. Des bleus océan profonds côtoient des roses et des rouges chauds, reliés par des lignes sombres. On retrouve ce théâtre dans cette scène d’opéra.

Pour Klee, la musique n’est pas un intérêt secondaire. Né de parents musiciens, il est doué pour le violon et songe un temps à en faire son métier. La référence à l’opéra n’est donc pas un ornement emprunté : elle vient d’un domaine qu’il connaît intimement. L’idée théâtrale est la sienne.

Le titre ne renvoie toutefois à aucune représentation attestée. Rien dans les documents n’indique qu’un opéra de ce nom ait été joué, que Klee l’ait composé ou qu’on lui ait commandé cette œuvre comme décor de scène. Ce qui est établi, c’est qu’en 1923 il crée une image qui invite à imaginer le spectacle. L’impression conserve cette ouverture : inutile de connaître l’opéra pour suivre le combat.

Comment la grille abstraite de «Tableau de mai» évoque-t-elle le printemps ?

«Tableau de mai» date de 1925. Cette année-là, le Bauhaus quitte Weimar pour Dessau, où Klee enseigne. Le tableau montre un paysage décomposé en petits carrés qui semblent se prolonger au-delà des bords de l’œuvre. Le Metropolitan Museum of Art, qui conserve l’original, le rattache à la série que le musée appelle les «Carrés magiques».

Cette série naît directement du voyage en Tunisie de 1914. La notice du Met établit le lien : la lumière que Klee découvre en Afrique du Nord devient, une décennie plus tard, un système de champs colorés. Chaque bloc possède sa propre teinte, mais tous composent un ensemble. Selon le musée, on peut voir dans ces carrés des pierres de formes irrégulières assemblées en mosaïque. C’est là qu’intervient le printemps du titre.

Mai désigne une saison, pas le jour où Klee a peint le tableau. Le titre ne donne pas la date de création : il invite à regarder les verts et leurs nuances comme les signes d’une saison. La grille souple mêle verts, rouges, bleus et gris assourdis. Chaque case est bordée d’un fin trait noir, et les transitions douces animent toute la surface. Une promenade en mai ressemble un peu à cela : plusieurs nuances de vert à la fois, des taches de lumière qui se déplacent au passage des nuages.

Si vous regardez assez longtemps cette grille de l’époque du Bauhaus, le printemps apparaît davantage dans son rythme que dans une couleur isolée. Pour le Metropolitan Museum of Art, le tableau témoigne de l’intérêt durable de Klee pour la théorie des couleurs, qui nourrissait son enseignement au Bauhaus.

Où se trouve le parc de «Parc près de Lu» ?

En 1938, cela fait cinq ans que Klee est rentré en Suisse. En 1933, les nationaux-socialistes l’ont fait renvoyer de son poste d’enseignant à l’Académie de Düsseldorf. À la fin de la même année, il quitte l’Allemagne avec sa femme et revient à Berne, sa ville d’origine. «Park bei Lu.», pour reprendre le titre allemand du tableau, date des années suivantes. Le Zentrum Paul Klee de Berne conserve aujourd’hui cette œuvre à l’huile et à la pâte colorée sur papier monté sur toile de jute, avec ses baguettes d’encadrement d’origine.

Ce titre bref ressemble à une note abrégée. La page consacrée à l’œuvre parmi les sites culturels de Berne y voit un parc près de Lucerne : le tableau est né d’une impression de nature ressentie par Klee dans un parc de la ville. Lu est donc l’abréviation de Lucerne. Le tableau est grand, assez pour que ses branches dénudées prennent l’allure d’épais traits noirs, entre lesquels brillent des couleurs vives.

La page de l’office du tourisme suisse souligne un détail qui mérite d’être retenu : les branches sont nues, comme en hiver, mais ce n’est pas un tableau d’hiver. Le printemps et l’hiver, la mort et la floraison coexistent dans la même image. Les notices de musées et de galeries datent «Park bei Lu.» de 1938. Vous pouvez accrocher ce paysage géométrique tardif et décider vous-même quelle saison l’emporte.

Que nous apprend la dernière année de Klee sur «L’Heure avant une certaine nuit» ?

Klee date cette œuvre de 1940, l’année de sa mort, survenue le 29 juin à Muralto, près de Locarno. Elle appartient donc aux six derniers mois de sa vie, sans que l’on sache le jour où il l’a créée ni de quelle nuit il s’agit. Le titre, «die Stunde vor einer Nacht», ne désigne qu’une heure et une nuit : ni événement, ni personne, ni lieu. Le catalogue raisonné donne le titre anglais «The Hour Before a Night», tandis que le Metropolitan Museum of Art, propriétaire de l’œuvre, emploie «The Hour Before One Night», que l’on peut traduire par «L’Heure avant une certaine nuit».

Sur un fond gris assourdi, de puissantes lignes noires forment un réseau de figures anguleuses, ponctué d’aplats rouges et bleus. Cet équilibre entre ordre et spontanéité caractérise le Klee des dernières années : les lignes guident le regard, mais les formes restent ouvertes, sans nom. Vous pouvez observer cette tension dans cette œuvre tardive aux lignes austères.

Son parcours après la mort de Klee est plus facile à suivre que son sens profond. Vendue en 1952 au baron Floris Carselius van Pallandt, de La Haye, elle passe par héritage dans une collection privée. Le 1er décembre 1981, Christie's la vend à Londres à Heinz Berggruen. Celui-ci l’offre au Met en 1984. Elle fait depuis partie de la collection Berggruen consacrée à Klee, même si la notice du musée indique qu’elle n’est pas actuellement exposée. Son support porte encore les marques laissées par Klee : sa signature en haut à gauche et le numéro 1940 L 17 en bas à gauche.

Les dernières années de Klee sont difficiles. Après l’arrivée d’Hitler au pouvoir, il perd son poste à Düsseldorf, et la Gestapo perquisitionne sa maison et son atelier. De retour en Suisse en 1933, il continue de travailler malgré l’isolement et l’incertitude financière. Il crée jusqu’à la fin. La date portée sur cette œuvre témoigne de cette persévérance, pas d’une prémonition : Klee n’a jamais expliqué la nuit du titre, et ce mystère contribue à la force du tableau.

Le saviez-vous ?

• Klee commence à tenir un journal en 1898, à dix-neuf ans. Il date et numérote chaque entrée.
• Selon le Metropolitan Museum of Art, on peut considérer que sa formation artistique, commencée à Munich en 1898, se prolonge jusqu’au voyage en Tunisie de 1914.
• En 2014, le Zentrum Paul Klee réunit plus de 140 œuvres créées pendant le voyage en Tunisie ou inspirées par lui, une première depuis près de trente ans.
• «Tableau de mai» appartient à la collection Berggruen du Metropolitan Museum of Art, reçue en don en 1984.
• Klee naît le 18 décembre 1879 à Münchenbuchsee, près de Berne.
• Klee meurt le 29 juin 1940, peu avant d’obtenir la nationalité suisse. Il est enterré à Berne.

Questions fréquentes sur Paul Klee

Quel était le style de Paul Klee ? Il est difficile de rattacher Klee à un seul mouvement. Son univers reste personnel, même si son enseignement au Bauhaus influence ses œuvres ultérieures. Il construit souvent ses images à partir de signes, de grilles et de petites plages de couleur, structurées par de fines lignes noires. La série des «Carrés magiques» en est l’exemple le plus net.

Quels musées conservent des tableaux de Paul Klee ? Ces sept œuvres se répartissent entre quatre institutions : le Metropolitan Museum of Art à New York, la National Gallery of Art à Washington, le Kunstmuseum Basel et le Zentrum Paul Klee à Berne. La notice du Met indique que «L’Heure avant une certaine nuit» n’est pas exposée actuellement : mieux vaut vérifier avant de vous déplacer.

Qu’est-ce que le «Senecio» de Paul Klee ? C’est un portrait de 1922 construit à partir d’aplats géométriques orange, roses, jaunes et blancs. Son autre titre allemand, «Baldgreis», fait allusion à la vieillesse qui approche. Le Kunstmuseum Basel a acheté l’original en 1931, neuf ans après sa création.

Pourquoi la Tunisie a-t-elle changé la façon dont Klee utilisait la couleur ? En avril 1914, Klee découvre la lumière et l’architecture d’Afrique du Nord avec August Macke et Louis Moilliet. Aux portes de Kairouan, il écrit dans son journal que la couleur le possède. Le Metropolitan Museum of Art relie ce voyage aux plans colorés translucides de ses aquarelles de Hammamet, puis aux grilles des «Carrés magiques» des années 1920.

Paul Klee jouait-il de la musique ? Né en 1879 de parents musiciens, il était un violoniste doué et a brièvement envisagé d’en faire son métier. La musique apparaît aussi dans ses titres : son œuvre de 1923 sur «Le Marin» évoque un opéra comico-fantastique, tandis que l’oiseau chanteur des «Rossignols persans» fait entrer un sujet musical dans la peinture.

Lesquelles de ces œuvres pouvez-vous accrocher chez vous ? Toutes les sept figurent dans notre collection d’impressions de Paul Klee. Nous les imprimons à Barcelone sur un papier fine art de qualité musée et les expédions partout en Europe. Les posters cités dans cet article sont un bon point de départ, que vous préfériez la géométrie chaleureuse de «Senecio» ou les traits sombres de l’œuvre tardive «L’Heure avant une certaine nuit».

Posters de notre collection

• «Hammamet» (Paul Klee, 1914)
• «Architecture colorée» (Paul Klee, 1917)
• «Formes libres» (Paul Klee, 1930)
• «Senecio» (Paul Klee, 1922)

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À propos de l'auteur

Moryarty Vintage Posters est né en 2015 d’une conviction simple : l’art ne devrait pas être réservé aux personnes à hauts revenus. Nous cherchons nos posters dans les musées, les bibliothèques, les collections en ligne et les collections privées. Chaque poster est restauré à la main sans modification de son dessin ni de ses couleurs, puis imprimé dans notre atelier à Barcelone sur un papier fine art de qualité musée. Vous pouvez voir nos posters dans cinq boutiques : deux à Barcelone et trois à Lisbonne. Toutes nos impressions sont expédiées de Barcelone vers l’Europe entière.

Sources

• Paul Klee, Britannica, https://www.britannica.com/biography/Paul-Klee
• Biographie de Paul Klee, Zentrum Paul Klee, https://www.zpk.org/en/paul-klee-biography
• «Hammamet avec sa mosquée», The Metropolitan Museum of Art, https://www.metmuseum.org/art/collection/search/483158
• «Persische Nachtigallen (Rossignols persans)», National Gallery of Art, https://www.nga.gov/fun-and-games/coloring-pages/71551-persische-nachtigallen-persian-nightingales
• «Park bei Lu. (Parc près de Lu)», MySwitzerland, https://www.myswitzerland.com/en-us/experiences/cities-culture/art-culture/art/park-near-lu/
• «L’Heure avant une certaine nuit», The Metropolitan Museum of Art, https://www.metmuseum.org/art/collection/search/483183